"그림을 일러 그냥 이미지일 뿐이라고 말할 수도 있을 것이다. 그러나 그림은 이미지이기에 우리에게 즐거움을 주고,동시에 그 즐거움을 통해 세상을 이해할 수 있도록 만들어 준다."(작가의 후기 중에서)

처음부터 다 읽으려 했던 것은 아니다.그저 내가 관심을 두고 있는 화가와 그림을 찾아  읽어볼 생각이였다.그런데 읽으면 읽을수록 점점 빠져 드는 매력이란.
이런 설명을 애써 하는 까닭은,책을 목차대로 읽어낸 것이 아님을 밝히기 위함이 첫번째이고.그렇게 읽은 까닭에 읽는 사이 느꼈던 혼란에 대해 다시금 마음이 가다듬어 질 수 있었기때문이다.
느낌으로 그림을 좋아하고,딱딱한 이론적 접근 보다 그림에 얽힌 에피소드를 더 좋아한다고 말할 수 있었던 이유는,저자의 말처럼 그림이 주는 이미지에 홀릭한 탓일 게다.하지만 저자는 여기서 한발 더 나아가길 권하고 있었다.아마도 플로베르의 소설 '감정 교육' 류의 소설을 만났을 때 이해의 폭이 더 넓어 질 수 있다는 힌트였을 지도 모르겠다. 인상파가 활동 하던 시대의 다른 소설에서도 떠올려 지는 그림들은 있었지만,플로베르의 소설 만큼 많았을까 싶다. 다시 '근대 그림 속을 거닐다'를 찾아 읽은 까닭이기도 하다.
이 책 덕분에 생긴 부작용(?)이 있다면 그동안 아름답게 느꼈던,혹은 나만의 감성으로 바라 보았던 그림들에 대해 날카롭고 비판적인 역사를 만나야 한다는 사실일게다.예술은 예술로 바라 봐야 한다와 그렇지 않다 라는 견해는 어느 한쪽이 오른 견해라 말하긴 힘들다. 저자 역시 꼭 그렇게 바라 보길 강권하지도 않는다.  그저 그림에 대해 조금더 알고 싶다면,그림을 통해 만날 수 있는 진리가 얼마나 많은가에 대해 알고 싶은 이들이라면 기꺼이 동참할 것을 말하고 있을 뿐...

마네,＜보트놀이＞

예를 들면 이런 것이다.
마네의 ＜보트놀이＞를 보면서 그저 한가로움이 느껴지는 것을 감상으로 생각하면 여기서 멈춰도 된다.
그런데 이 그림의 바닷색깔이 정말 저와 같았을까? 아니면 인상파들이 과도하게 색감을 칠한 것일까 하는 의금증이 들었다면,인문학적 시선으로 ＜보트놀이＞에 대한 역사적 이야기에 귀를 기울여 보면 되는 것이다. 마네의 그림에서 바닷물이 쪽물인 것은 당시 아르장퇴유에 집결해 있던 염색공장들이 모여 있었기에 공장에서 배출한 페수로 인해 강물이 쪽빛으로 그려졌다는 것이다.
이런 설명을 읽고 나면,그림이 사실 아름답게만 보이기란 쉽지 않다.낭만적으로 보이지 않을 수도 있다.그러나 어쩌겠는가? 사실인 것을.(그래서 모르는게 약이란,말도 있는 것일테지..)

"그림은 사유의 산물로 보아야 하기 때문이다. 말하자면 그림은 우리에게 입만 나불거리지 말고 머리를 쓰라고 말하며 거기 걸려 있는 것이다"

예전 같았으면 너무도 정직한 이 충고에 살짝 기분이 나빴을 법도 한데,지금은 어느정도 수긍이 되는 걸 보면..나 역시 그림을 통해 세상을 이해하고 싶다는 마음이 드는 것인지도 모르겠다.
언젠가는 그림이란 마음가는 대로 보면 좋다는 말에 홀릭해서 그림에 빠져 들었지만
이제는 머리를 쓰라는 말에 서도 그림이 주는 매력을 느낀다.
그림이 주는 매력이 팔색조처럼 변하는 덕분에 여전히 사랑하는 대상일 테지만 말이다.

각설하고,인상파를 이해하기 위해선 파리의 19세기 혹은 근대화에 대한 이해가 우선되어야 하는 것임을 배웠다. 자신은 인상파회원이 아니라고 우겼던 마네,그러나 그가 어째서 인상파의 수장격으로 대접받고 있었는지를 분명하게 알 수 있었다.

예전 같으면 이런 주제는 잘안보지만 최근 가끔 보게된다. 이 주제는 말을 까다롭게 하는 책이 많아 불만이다. 이상한 말이 많다. 그 전공이 아니면 듣도보도 못한 단어와 주제를 어렵게 많이 쓰는데(예를들면 무슨 미학 책이라면서 숭고 어쩌고 하는 말이 나오는 책, 숭고! 그 단어도 좀 우리나라 말로 풀어라. 서양에서 하는 말 그대로 옮기지말고) 이책은 안그렇다. 물론 그런 책을 앞에서 봤기 때문에 읽기 나았을수도 있지만,작가님이 예전 같으면 작가님을 알리가 없지만 작년 가을 부터 어느 종편에 토론 패널로 1주에 1번 나오셔서 얼굴이 익다. 경상도 분인데 웃음소리가 달리는 말  처럼 독특하고 경쾌해서 얼굴 보고 판단 안해야겠다.(? 흠....얼굴보다 착하신 분)

재밌게 읽었다. 쉽게 물 흐르듯 글이 자연스럽다. 근대라는 독특한 시대를 미술에서 인상파와 라파엘 전파를 비교하면서 설명한다.

인상파는 이래저래 대개 보고들었겠으나 다른 저 라...파는 배운적이 없다. 미술전공이 아니라면, 그림 사조가 별로 내 관심을 끌지않는 풍이고 그리 예술적이지 않다. 표지만 보면 무척 커다란 책인줄 알았지만 실재는 보통 책 보다 조금 작은 책이다.  카유보트 마음에 든다. 이 그림이 남성적인 시선에서 본것.  

어릴때 좋아한 그림. 색감과 넓은 공간 때문

프랑스는 국가주의 영향 받았다. 영국은 시장주의,자유주의 전통을 발전시켜왔다. 라파엘전파와 인상파 그림은 근대성이라는
공통 상황,조건에 각기 다르게 대응한 양국 예술가들의 태도를 보여주고있었다.
*장삼이사
*마네 올랭피아(1865)근대의 등장을 알리는 신호
*시뮬라크르
*키치
[아케이드 프로젝트]
*화풍,사조를 설명하면 지루한데 그러나 잘모르는 프랑스 역사를 그림 시대로 풀어 재밌게 설명함
*107,108
*106,109페이지 두 비교 그림 배치는 좋은 배려다.(터너의 그림은 기차에 대한 화가의 느낌,모네는 기차 자체에 관심)
*근대를 주제로 한 역사,미술 교양책
아주 재밌어 막힘없고 지루하지않다.

*142-라파엘전파-14,15세기 이탈리아 미술에서 영감제공받았음, 전성기 르네상스 이전,라파엘로 시대 이전의
이탈리아 미술로 돌아가자는 취지에서 붙인 이름,....기독교의 상상력, 중세의 신화를 주제로 다룬 이들 그림은
15세기 르네상스 초기 분위기를 근대에 맞게 되살려내는 작업이이었다.(내 취향아님, 인상파가 나음)
중세의 표현양식을 통해 문학 이미지를 재현하는 것이 모토.

*헌트, [샬롯섬의 여인]그림 1886-1905
*헌트와 라파엘전파들은 근대 기술문명에 부정적 태도, 반대로 마네와 인상파들은 기술의 효과를 자신들의
기법으로 발전시킴.
인상파는 과학에 기반을 둔 세계관을 채택, 라...파는 신화, 신비주의 세계관으로 과학 기반의 세계관을 제어
하려했음.
210~214,225,226 모네와 피사로의 풍경 그리는 방식에서 정치성의 차이를 나타냄.
238,240,243,피사로는 모네와 달리 근대성의 재현이라는 어려운 문제를 정면대결했다.....보불전쟁 때 피사로는
모네와 같이 영국으로 도피, 영국의 풍경화들을 감상했다.
262-인상파는 현상 자체에 본질이 내재해 있다고 봤다....명멸하는 일상생활의 현상을 화폭에 담고자 했던 미학의
태도
라파엘전파는 진정한 역사의 본질은 눈앞의 역사가 아리나 그 현상 너머에 있다는 것, 인상파는 구체적인
서사 위에서 형식을 실험.
라...파는 서사 자체를 신화에서 빌려오는 것.
132~133,.....인상파가 추상주의를 낳았다면 라파엘전파는 상징주의의 뿌리 노릇을 했다.

*윤색~
*카유보트의 유럽의 다리(구경꾼의 시대,근대 문화 변화의 도래 알림) 그외 카유보트 그림 좋음, 터너, 모네 좋음
파리코뮌 이후 주인공으로 등장한 중간계급의 시선으로 모든 사물을 재해석하고있다.
중간계급이란 부르주아를 동경하면서 경멸하는 이중성을 띄는 세력이다.
카유보트와 인상주의 화가의 모토는 과학에 근거한 세계관, 일본그림에서 영향받은 원근법 소멸.

*쿠르베의 화가의 화실- 어린시절 좋아했던 그림.

*기타 이책은 글속 그림을 모두 소개하는 친절함. 카유보트와 드가 그림은 근대 미학이 만보자의 시선을 중심으로
여성들은 구경거리에 지나지않았다.

*인상파는 또 르네상스에서 인습화한 원근접의 붕괴를 촉발한 혁신들이 근대성의 남성중심주의를 무너뜨리는
역할도 했다는 것이다...자연에 대한 두 유파의 태도 차이,(289)
*65,66, ...마네의 올랭피아가 당시 파리지앵들 심사를 거스른 그 무엇은 계급이었다. 올랭피아는 노동계급의
우의였다.
*급격하게 변하는 19세기 중반 프랑스 정치사와 화가들의 관계등 클로즈업 코너로 중요역사를 요약 설명함.

예전에 읽었던 그림에 대한 책들은  진중권의 미학 오디세이를 제외하고

그림 자체에 대한 내용이 대부분이였다. 공주형 저'사랑한다면 그림을 보여줘'라던가

얼마전 대필 의혹을 치른 '그림 읽어주는 여자' 까지 그림에 관한 책은 무엇이든

막연한 호기심과 경외감의 대상인 미술의 세계로 인도해 주는 훌륭한 안내자 노릇을

톡톡히 해내었다.

이번에 읽은 '근대 그림속을 거닐다'는 책은 저자가 미술을 전공하지 않았다는 점에서

우선 흥미로웠고, 한 권의 책으로 서양 근대 미술 사회를 대표 하고 있다고 할 수 있는

인상파와 라파엘전파의 그림에 대한 해박한 지식과 정치,경제,문화적 고찰로 이루어졌다는

점에서 그냥 지나치지 못하게 하는 매력이 있다.

문학을 비롯한 모든 예술작품들은 그 뿌리를 작품 탄생 시기의 역사에 그 근원을

두고 있으며 역사 의식이 없는 문학가와 예술가들의 작품은 사상누각에 지나지 않는다.

그런 점에서 역사와 미술사조를 연결하고자 한 저자의 노력은

더욱 빛을 발하게 된다.

저자의 친절한 안내를 받으며 책을 읽어가노라면 전에는 그림에서 읽지 못했던

여러 의미들을 찾아낼 수 있는데, 예를 들면 모네의 [인상- 해돋이]라는 작품

에서 해돋이 풍경 너머로 보이는 부두에 선 크래인 같은 새로운 근대 풍경이

비로소 눈에 들어오고, 눈 앞에 들이 닥친 근대를 거부하고 자연으로 돌아갈

것을 주장한 라파엘전파에 속한 여러 화가들의 그림도 비로소 갇힌 의미를 벗어나

독자에게 하나의 의미로 다가오게 된다.

사실 인상파와 라파엘전파는 근대를 부정한 방법에서 차이가 나는데

그런 두 사조를 '근대성'이라는 특징으로 엮어 설명해 내는 저자의 통합적 사고 방식은

자못 독특하며, 그가 여는 글에서 밝혔듯이 ' 인상파의 정원에서 라파엘전파의

숲속으로 이어지는 오솔길'에 독자로서 동참한 것은 좋은 경험이 되었다.

란.

문화비평가는 인상파와 라파엘전파의 그림을 어떻게 볼까?
근대 이전의 그림은 신화적 상징과 서사와 재현을 보여준다고 하면 프랑스의 인상파는 이야기를 빼고
빛과 그림자의 형식을 어떻게 만들까를 고민하면서 근대적 시각이 보여주는 모습을 나타내려 한다고 한다. 모더니즘이란 기호가 투명하게 대상을 반영하지 못한다는 생각에 기초한 미학사상이다. 그림으로 이런 깨달음을 직접적으로 창작에 원용한 경우가 인상주의 이다. 쉴 새 없이 명멸하는 마음속의 이미지들을 화폭에 붙잡아두는 것이다. 모더니즘은 이미지와 대상의 불일치라는 전제에서 출발했지만 모더니즘을 떠받치고 있는 기호들은 자기들 끼리 투명한 약속 체계를 이루고 있다. 이미지의 작용을 세속화 하는것이면서도 동시에 다시 신비화 하는것이다. 정물화는 자본주의에 적절한 장르이면서 `소유의 욕망`을 표현하고 욕망은 언제나 시선의 문제를 내포한다. 이런 시선을 `특수한 보기의 방식`이라고 함.
르네상스의 여자의 그림들은 일종의 `제품 카탈로그`란 표현은 특이하고 그러면 티치아노의 비너스의 그림이 `예술`로 받아들일수 있는 원리는 세속의 것을 신화속 이야기인 양 표현해 주는것이다 라고 하는데 공감이 간다.
현대 예술에서 길가에 비닐봉지와 미술관에 걸린 비닐봉지를 구분해 주는것은 `실재에 대한 정념`의 유무라고 하는것은 현대 미술을 보는 하나의 열쇠가 되는거 같다.
인상파에 객관에 따른 묘사란 변화무쌍한 빛과 재질의 충돌을 그려낸다는 뚯이다.
근대의 도착을 알리는 대표적인 상징물은 기차이며 영국인에게 기차는 곧 근대 영국의 성취를 의미하고 영국은 프랑스 처럼 전통을 싹쓸이 할 기회를 갖지 못하였기에 전통을 통해 새것을 평가하는 역류현상이 보인다. 영국인은 기계를 과거보다 성능이 좋아진 편리한 도구 정도로 봤다면 프랑스인은 마법 세계에서 날아온 괴물정도로 생각했다 (즉 신비한 구경거리로 생각함) 이런차이는 영국화가 터너와 프랑스 화가 모네를 서로 갈라 놓는다.
근대의 회화 형식을 외부에서 강제하는것은 도시의 만보자들 이다. 중간계급은 부르주아를 동경하면서도 동시에 경멸하는 이중성을 띠는 위치의 세력이다.
인상파는 추상주의를 낳고 라파엘전파는 상징주의 뿌리 노릇을 한다고 함
러스킨은 자연에 대한 면밀한 관찰과 이 관찰에 근거한 시각화만이 진리를 드러낸다고 하며 다른말로 사물을 슬쩍 보지 말고 보고 또 보고 하다보면 그 속에 사물의 결 같은게 보인다는 뜻이다.즉 세상의 기원 뿐만 아니라 종말까지 담아야 된다고 하는것이고 이런 것을 할수 있는 예술기법이 상징이다.
알레고리는 의인화된 추상성이 만들어내는 이야기 구조이며 상징은 알레고리에서 이야기를 잘라낸것이다. 상징주의의 정수는 우주의 질서와 인간의 질서가 하나로 통합되는 조응관계이다
러스킨의 예술론은 근대 예술 행위에 대항하기 위해 근대 이전의 세계를 상상하게 만드는것이 목적이며 예술과 기법에 초점을 맞춘 인상파와 달리 예술과 도덕의 문제를 예술론의 중심에 놓았다. 그의 주장은 자연성의 구현이 순수예술 본연의 임무이지 본성으로 보았는데 이것은 철지난 독일 낭만주의의 반복일 뿐이다. 라파엘전파는 영국에서 기독교의 상상력과 중세의 신화를 주로 다루면서 르네상스 초기의 분위기를 근대에 맞게 되살려내는 작업을 한것을 말한다. 헌트와 라파엘전파는 대체로 기술문명에 대해 부정적인 태도를 보였다면 마네를 필두로한 인상파들은 기술의 효과를 적극 자신들의 기법으로 발전시켰다
러스킨에서 그림이 창문이었다면 마네에게 그것은 비대칭의 거울이었다.
라파엘전파는 모토는 중세의 표현양식을 통해 문학 이미지를 재현하는것이다.
그림은 글로서 표현하기 어려운 많은것을 전달해 주면 그 시대를 다시 리플레이 해주는거 같다. 이택광씨 같은 시각의 그림보기도 상당히 재미는 있는거 같다.

[서평]이택광의 ＜근대 그림 속을 거닐다＞ 

이택광이 쓴 ＜근대 그림 속을 거닐다-인상파의 정원에서 라파엘 전파의 숲 속으로＞는 참 재미난 책이다. 그 안에는 그림만이 있지 않다. 역사가 있고 문학이 있으며 근대를 바라보는 비평이 있다. 우리는 흔히 그림을 이해하기 위해 그림에 관한 책을 접한다. 그래서 그림보기는 그림읽기이기도 하다. 이 책은 바로 그 그림읽기의 한 방편을 우리에게 일러준다.

그런데 우리들 대부분의 독자들에게는 그 그림읽기라는 것조차 쉽지 않은 것이어서 많은 수고와 인내심을 필요로 한다. 그러나 소개된 책은 결코 가볍지 않은 내용을 설명하고 있음에도 불구하고 쉽게 그리고 재미나게 읽힌다. 저자 이택광의 놀라운 필력 때문이기도 하지만, 무엇보다 대상을 바라보는 저자의 시선이 예사롭지 않은 까닭이다. 마네의 ‘올랭피아’에서 근대의 계급성을 끄집어내는 그의 시선에서 우리는 예술작품이 왜 당대의 전범(典範)이 되는지를 쉽게 알아차릴 수 있다.

인상파-근대를 넘어 새로운 지평으로

 ▲콤포지션 8/칸딘스키 작 이 그림에서 우리는 음악의 선율을 느낀다.

이른바 공감각의 발견이다.

저자 이택광은 칸딘스키의 그림 ＜콤포지션 8＞에서 음악의 선율을 듣는다. 김광균의 ‘외인촌’이란 시에서 만난 “분수처럼 흩어지는 푸른 종소리”와 같은, 소위 공감각에 대한 발견이다. 시인은 보통 미학에서 말하는 ‘정서’라는 것을 전달하기 위하여 일종의 도구를 사용했는데, 그것이 바로 이미지이다. 시각이미지 등 수많은 이미지 중에서 미학자나 철학자가 다루는 이미지는 주로 마음속의 이미지이고, 어떻게 보면 이 마음속의 이미지를 놓고 치고받고 싸워온 것이 현대미학이자 언어철학이라 저자는 말한다.

 

이 이미지 덕택으로 우리는 그림을 보는 것이 아니라 읽을 수 있다. 우리가 ‘졸라맨’을 통해 자연스럽게 실제 사람의 행동을 떠올리는 것도 이미지 때문이다. 이미지는 이처럼 하나의 반응을 일괄처리해주는 역할을 한다. 그런데 어떻게 제각각인 마음들이 하나의 대상을 보고 동일한 이미지를 만들 수 있을까? 그것은 이미지가 마음 안에서 생성된 것이 아니라 밖에서 안으로 주입된 것이라는 반증이다. 즉 이미지는 개인에 의한 것이 아니라 사회집단에 의한 것이다. 곧 사회의 산물인 것이다. 저자는 이 전제 위에서 그림읽기의 사례들을 들려준다.

 

 ▲올랭피아/마네 작 올랭피아의 모델은 매음녀다.

마네는 기존의 아카데미즘 회화의 전통을 거부하고 세속의 것을세속의 상징으로 그려 넣었다.

즉 이상화된 비너스의 이미지를 여인의 이미지 그대로 그렸다.  바로 근대의 태동이다.

맨 처음 만나는 마네의 ‘올랭피아’는 근대성의 상징이다. 마네의 붓질은 당대의 전통과 인습을 거부한 것이었다. 그렇기 때문에 그가 원했든 그렇지 않는 미술사의 혁명적 전환이라는 인상파의 거두가 되었던 것이다. 마네는 당대의 주류였던 아카데미 회화들의 이상화된 여성상을 비웃으며, 비너스의 이미지를 졸지에 매음녀로 바꾸어 버렸다. 즉 세속의 것을 신화 속 상징으로 표현하던 기존의 예술 인습을 뒤엎고, 세속의 것을 세속의 상징으로 그렸다. 여기에서 근대는 태동하였던 것이다

 

“마네는 여인의 육체를 여신의 모습으로 그리지 않고, 매음녀의 육체를 그대로 드러나도록 그렸다. 이것이 바로 근대의 등장이다.”(책 33쪽)

 

마네는 근대 시민사회와 함께 등장한 프롤레타리아의 출현을 알아챈 것이다. 마르크스가 주목한 산업임금노동자로서의 프롤레타리아의 등장은 모든 예술의 혁명적 변화를 초래한 동인이기도 하였다. 모네의 ＜인상-해돋이＞에 중요한 것은 일출이라는 자연 경관의 포착이 아니라, 그 뒤로 보이는 부둣가의 크레인이 상징하는 근대 문명의 도래라는 사실이다. 그는 인간의 노동과 공존할 수밖에 없는 풍경을 화폭에 담았던 것이다.

 

▲인상-해돋이/모네  배가 떠있는 바다 뒤로 삐죽삐죽 푸르게 서있는 것은 부둣가의 크레인이다.

모네는 이 그림에서 근대와 함께 다가온 인간의 노동과 파괴된 자연의 인상을 담았다.

 

흔히 인상파는 ‘빛의 양감에 의한 대상의 변화와 그 순간의 포착’이라는 회화 기법상의 새로운 시도를 한 19세기 후반의 일군의 미술가들을 총칭한다. 그러나 저자는 르네상스 이래의 원근법의 소멸과 사진술과 일본회화에 영향을 받은 인상파의 회화적 특징에 주목하지 않는다. 저자가 주목하는 것은 인상파 화가들이 세상을 바라보는 시선이다. 파리 코뮌 이후의 세상에서 왼쪽에 피사로와 모네가 서 있다면 오른쪽에는 드가와 르누아르 같은 화가가 서 있다는 식의 접근이다.

 

쿠르베의 리얼리즘에서 시작된 근대 미술의 힘찬 속도는 기차라는 근대 문명의 이기들과 만나면서 그 행보를 더욱 빨리한다. 근대를 알리는 기적소리와 함께 기차를 타고 도착한 근대의 관객과 그림이 만나게 되는 것이다. 책의 표지화이기도 한 카유보트의 ＜유럽의 다리＞는 인상파의 전혀 다른 내면을 보여준다고 저자는 말한다.

 

▲유럽의 다리/카유보트 작 이 그림의 신사는 생라자르 역의 기차를 보고 있고

기차는 곧 근대의 상징이다.

이제 인상파의 그림에서 기차를 타고 도착한 근대의 관객과 만나게 되는 것이다.

 

북프랑스로 가는 관문역인 생라자르 역을 가로지르는 다리에서 아래를 내려다보는 신사는 지금 기차를 보고 있고, 여인과 함께 걸어오고 있는 남자는 화가 자신이다. 그렇다면 화가를 보고 있는 사람은 누구인가? 반대편에서 어슬렁거리며 다가오고 있는 견공이 실마리다. 유럽의 경우, 대도시에서 개 혼자 길거리로 나온다는 것은 불가능하다고 저자는 귀띔한다. 말하자면 저 견공의 뒤에 주인이 따라오고 있는 것이다. 그는 곧 이 새로운 시대의 주인공들, 새로운 문명의 이기를 탐닉하는 소비자들인 것이다.

 

라파엘전파-근대를 거꾸로 거슬러 유토피아를 찾아서

 

라파엘전파의 이론적 영감을 불러일으킨 존 러스킨은 자연에 대한 정확한 묘사를 통해 자연물을 있는 그대로 드러내야 한다고 주장하면서, 그림은 “자연을 보여주는 창문”이라고 정의했다. 한마디로 말해 “자연으로 돌아가자”이다. 근대에 사는 인간은 모두 병들었음으로 결국 자신의 고향인 ‘자연’으로 돌아갈 수밖에 없다는 전제에서 출발한 것이 라파엘전파다.

 

아카데미즘의 인습을 거부하고 라파엘 이전 시기의 예술기법으로 돌아가자는 취지에서 이들은 이런 이름을 자신들에게 붙였다. 별 것도 아닌 듯이 보이지만, 19세기의 당시에 미술아카데미에서 학생을 가르칠 때 전범으로 삼는 화가들이 라파엘과 미켈란젤로였다. 이렇게 대단한 라파엘을 버리고 그 이전으로 돌아가자니, 사제 간의 예의를 최고로 치던 빅토리아 영국에서는 그야말로 가르쳐준 선생에게 엿 먹으라는 소리나 마찬가지였다.

 

아무튼 물려준 회화의 전통을 우습게 여겼다는 점에서 라파엘전파는 프랑스 인상파와 닮았다. 그러나 그들은 이후 다소 상이한 길을 선택함으로써, 서로 다른 예술 기법을 낳았다. 인상파가 오늘날 거론되는 추상주의를 낳았다면, 라파엘전파는 상징주의의 뿌리 노릇을 했다. 라파엘 이전의 이탈리아 미술이야말로 솔직하고 단순한 자연묘사가 돋보이는 가장 자연에 친숙한 예술형식이라 주장한 라파엘전파는 로세티, 헌트, 밀레이에 의해 결성되었고 후에 제임스 콜린스, 토마스 울너, 윌리엄 다이스 등이 합류하였다.

 

이들의 작품은 소설가 디킨스를 비롯한 많은 사람들에게 혹평을 받았다. 이른바 고전주의 계열의 이상미를 무시했고, 사실주의의 관점에서 기독교를 다루는 것이 불경스럽다는 이유였다. 러스킨은 이런 비판에 대항에서 이들을 옹호했고 그들의 후원자가 되었던 것이다. 그러나 그들 역시 기성세대화 되어갔고 라파엘전파의 지조를 지킨 이는 헌트 한 사람뿐이었다. 이어 후기 라파엘전파 운동의 기수는 번 존스로 대표되는데, 초기작에 비해 확실히 진부한 느낌을 지울 수 없다.

▲고용된 양치기/헌트 이 그림은 언뜻 사랑하는 연인을 그린 것 같지만 여인의 어깨를 감싼

양치기의 손에는 나방이 들려있고 그 나방은 해골문양을 하고 있다.

이 그림은 셰익스피어의 '리어왕'에 나오는 에드가란 인물의 대사를 묘사하고 있는데,

해골무늬 나방은 죽음을 상징한다. 죽음과 사랑은 중세의 주제의식이다.

중세의 표현양식을 통해 문학 이미지를 재현하는 것이 라파엘전파의 모토였다.

라파엘전파는 시각이미지를 문자이미지와 같은 것으로 취급했다. 러스킨의 영향을 읽을 수 있는 대목이다. 문제는 시각이미지와 문자이미지가 일치하지 않는 게 문제였다. 그래서 이들은 이 둘을 일치시키는 것이 예술행위의 임무라고 봤다. 이런 ‘거룩한 임무’를 위해 이들은 중세의 신화나 르네상스의 문학작품에 나오는 장면을 그림으로 옮기는 일에 심혈을 기울인다. 특히 이들이 좋아한 문학작품은 셰익스피어였다.

 

인상파가 근대의 산업화를 적극적으로 받아들여 근대의 뒷골목으로 들어가 노동자 창녀 등과 만나던 때에, 라파엘전파는 근대의 산업화가 멀리 쫓아버린 자연을 찾기 위해 상상력의 터전으로 옮겨갔다 할 수 있다. “혼탁한 현실이야말로 투명한 예술에 대한 요청”이라 주장한 러스킨의 입장이 곧 라파엘전파의 생각이었다. 문명이 타락할수록 예술이 더욱 꽃을 피운다는 생각이 곧 라파엘전파의 윤리였다. 즉 그들의 예술론은 근대 예술의 속성을 해명하기 위한 것이 아니라, 근대 예술에 대항하기 위해 근대 이전의 세계를 상상한 것이다.

 

다시 말해 인상파가 근대를 넘어선 새로운 지평으로 나아갔다면, 라파엘전파는 근대가 몰고 온 온갖 병폐의 징후들을 제거하고 치료하기 위해 상상력의 세상에서나 가능한 중세 이전의 유토피아로 가고자 했던 것이다. 그러나 근대화의 상징처럼 놓인 철길 위를 기차가 멈추지 않고 달리듯, 문명의 질주는 멈출 줄 몰랐고 자연으로 돌아가기란 참으로 요원한 것이 현실이었다. 그럼으로 라파엘전파는 점차 근대의 정거장에 내려 쓸쓸한 현실과 조우하고 만다. 다만 그들이 근대에 대해 품었던 윤리의식과 이상사회로의 염원은 지금도 아름다운 무엇임에는 틀림이 없다.

 

 

 ▲생 라자르 역/모네 노르망디 등 북프랑스로 가는 관문역인 생 라자르역은

근대의 관객들로 언제나 넘쳐나는 곳이었다.

모네는 '전원으로 가는 기차' 등 근대의 상징인 기차를 즐겨 그린 대표적인 화가다.

 이 책은 이러한 인상파의 탄생배경, 그들의 사상과 작품에 대해 매우 심도깊게 다루고 있는데 작품 자체의 해설보다는 비슷하면서도 결코 같지 않았던 인상파 화가들의 성향과 예술적 지향에 대해 많은 지면을 할애하고 있다. 이러한 배경에는 책의 지은이가 미술을 전공한 학자가 아니라는 점이 많이 작용한 것 같다. 또한, 인상파 화가의 작품세계를 넘어 미술사적인 내용전개가 광범위하게 펼쳐지다보니 비전공자인 나에게는 다소 어렵게 느껴졌다.

 하지만 신분과 개성이 달랐던 인상파 대표화가들의 출발점과 지향점, 비슷한 시기에 활동했던 라파엘전파 등 19세기 미술사조를 종합적으로 이해할 수 있는 점은 이 책만이 가진 힘이기도 하다.