책을 여는 문단부터 마음에 쏘옥 든다. 미술 전시를 보며 작품 감상에 빠지게 된 계기가 바로 작가들의 사유를 작품화한 예술을 통해 세상을 이해하고, 철학적 사고를 하는 동시에 힐링하는 그 순간의 묘미가 매력적이었다. 

나를 이해하고, 세상을 알아가는 도구로서의 예술에 대해 강조하는 저자는 예술가들의 삶 그리고 예술가들이 활동하던 시대적 배경과 문화가 작품 속에 어떻게 녹아있는지 독자가 쉽게 이해할 수 있게 하기 위해 《명화와 시대의 만남》을 집필했다고 한다. 저자의 바람처럼 한 챕터 한 챕터 작가별로 소개하면서 미술 사조의 연대기적 흐름과 작가 개개인의 배경적 지식으로 작품을 깊이 있게 감상하는 심미안을 높이기 충분해 보인다.

코로나 시기를 기점으로 예술 관련 서적이 쏟아지면서 비슷비슷한 책들이 많은 게 현실이다. 아마 예술 감상 책을 좋아하는 독자라면 '색다른 책이 없을까?'라는 갈증이 조금 있을 거라 생각된다. 개인적으로 복기 차원으로 읽는다 하더라도 소개하는 작품이나 설명도 비슷비슷해서 참신함이 적기 때문이다.  

물론 《명화와 시대의 만남》도 모든 작가와 소개되는 작품이 엄청 차별화되어 있는 건 아니다. 이미 알고 있는 내용이 상당수다. 그러나 작가에 대해 그리고 작품의 특징에 대해 심층적으로 다루고 있어서 작가 한 사람의 전기를 압축해 놓은 듯한 챕터의 완성도가 높다고 할 수 있다.

이를테면, 40세가 안되는 나이에 요절한 빈센트 반 고흐만 하더라도 거의 30페이지의 지면을 할애하면서 태생부터 화가의 길에 들어선 배경, 초기 작품 기법, 파리에서의 고흐의 삶, 남프랑스 아를에 정착해 변화한 작품 방식, 고갱과의 일화, 정신병원에서의 고흐, 영혼의 지지자 테오와의 고흐, 그리고 고흐의 사후까지 톺아본다. 찬찬히 책을 넘기며 읽다 보면 빈센트 반 고흐의 면면까지는 아니더라도 그의 작품에 변화가 생기게 된 배경이 무엇인지 흐름을 읽어내는 눈을 가질 수 있게 되는 것이다. 

시대와 예술의 만남

화가의 삶과 예술혼을 작품에 담다

고동희 작가의 [명화와 시대의 만남]을 읽는 내내 이 말이 마음속에 맴돌았다. 명화라는 것은 정지된 이미지이기도 하지만 그 시대와 사람을 읽고 그이해하며 결국 예술의 본질에 다가가게끔 하는 시간 여행이 아닐까? 라는. 이 책은 총 16명의 화가와 그들의 대표작을 중심으로 구성되어 있다. 그 유명한 빈센트 반 고흐, 클로드 모네, 에드가 드가, 파블로 피카소, 프리다 칼로 그리고 모딜리아니까지. 각 화가는 자신만의 삶과 마음 속에서 끓어오르는 감정 그리고 시대적 배경을 한 폭의 그림으로 표현한다. 

이 책은 특히 하나의 그림이 "어떤 식으로" 완성될 수 있는지에 대해서 여러 각도로 풀어낸다. 예를 들자면 고흐의 작품들인 "별이 빛나는 밤"과 같은 작품은 정신 병원에 스스로 들어간 후 그린 작품으로써, 그의 정신적 고통과 외로움 그리고 예술에 대한 집념이 형상화되었다고 볼 수 있다. 나는 그의 해바라기 작품을 정말 좋아하는데 함께 화가의 공동체를 만들려고 했던 고갱을 위한 작품이었다니, 그의 따뜻한 배려가 녹아들어간 듯 하여 다시 보게 되었다. 고흐가 평생 가난과 정신적 고통을 안고 살아야했다는 것은 가슴 아픈 일이지만 동시에 멋진 작품이 그의 삶에 비롯되었다는 점은 어쩔 수가 없다.

이 책에서 눈에 띄는 점은 화가들은 역시 "뮤즈"라는 존재에 주목할 수밖에 없다는 것이었다. 클림트가 사랑했던 에밀리, 피카소가 집착했던 여러 연인들 그리고 모딜리아니가 빠져들었던 자유롭고 열정적인 삶..... 이런 관계들이 그림의 테마와 형식 그리고 감정선에 엄청난 영향을 주었다는 것을 알 수 있었다. 말하자면 화가들의 사생활이란 단지 "가십거리"에만 끝나는 것이 아니라 예술 세계를 만들고 완성하는 하나의 키워드가 될 수도 있다는 점이 마음에 와닿았다. 예술을 추구하는 삶이란 어쩌면 혼란과 방황을 동반하는 것일지도 모르겠다는 생각이 들었다.

가장 인상적이었던 화가는 바로 "모딜리아니"였다. 그의 작품에 등장하는 사람의 긴 목, 타원형 얼굴 그리고 텅 빈 눈... 이러한 모습에는 사람들이 언어로 쉽게 표현하기 힘든 삶의 고독과 절박함이 스며들어있다고 느껴졌다. 평생 가난과 병 그리고 약물 중독에 시달린 모딜리아니의 감정선이 그림에 많이 반영되었다는 생각이 들었다. 그는 인물의 디테일한 묘사보다는 간결한 표현으로 자신의 예술 철학을 전했다고 하는데, 특히 1991년 [자화상] 속 자신의 얼굴에서는 절망과 깊은 슬픔이 느껴지기도 한다. 본능과 욕망에 충실했던 자유로운 삶은 결국 불행을 재촉했지만 역시 멋진 작품으로 승화했다.

이 책에서 눈에 띄는 점은 화가들은 역시 "뮤즈"라는 존재에 주목할 수밖에 없다는 것이었다. 클림트가 사랑했던 에밀리, 피카소가 집착했던 여러 연인들 그리고 모딜리아니가 빠져들었던 자유롭고 열정적인 삶..... 이런 관계들이 그림의 테마와 형식 그리고 감정선에 엄청난 영향을 주었다는 것을 알 수 있었다. 말하자면 화가들의 사생활이란 단지 "가십거리"에만 끝나는 것이 아니라 예술 세계를 만들고 완성하는 하나의 키워드가 될 수도 있다는 점이 마음에 와닿았다. 예술을 추구하는 삶이란 어쩌면 혼란과 방황을 동반하는 것일지도 모르겠다는 생각이 들었다.

가장 인상적이었던 화가는 바로 "모딜리아니"였다. 그의 작품에 등장하는 사람의 긴 목, 타원형 얼굴 그리고 텅 빈 눈... 이러한 모습에는 사람들이 언어로 쉽게 표현하기 힘든 삶의 고독과 절박함이 스며들어있다고 느껴졌다. 평생 가난과 병 그리고 약물 중독에 시달린 모딜리아니의 감정선이 그림에 많이 반영되었다는 생각이 들었다. 그는 인물의 디테일한 묘사보다는 간결한 표현으로 자신의 예술 철학을 전했다고 하는데, 특히 1991년 [자화상] 속 자신의 얼굴에서는 절망과 깊은 슬픔이 느껴지기도 한다. 본능과 욕망에 충실했던 자유로운 삶은 결국 불행을 재촉했지만 역시 멋진 작품으로 승화했다.

고흐, 모딜리아니, 모네 등등 고동희 작가는 우리가 익히 알고 있던 화가들과 그들이 남긴 명화들을 좀 더 낯설게 우리 앞에 펼쳐놓는다. 작품에서 예술적으로 드러나는 면 - 모네의 색채, 고흐의 붓질 - 등에만 초점을 맞추는 것이 아니라, 그들의 삶과 사랑한 연인 그리고 시대상을 바탕으로 그들이 왜 그렇게 그릴 수밖에 없었는지를 조명하고 있다고 볼 수 있다. 이 책을 읽고 나면 그냥 아름답게만 보였던 그림 속 사연이 눈에 들어오게 되면서 좀 더 작품들을 깊이 있게 감상할 수 있을 것 같다. 이 책을 읽고 나면 시대상과 예술가의 삶이 눈에 들어오고 작품을 보는 눈의 깊이가 엄청 깊어질 수 있을거라 장담한다. 이 책은 예술을 사랑하는 모든 독자들에게 추천하고 싶은 책 ＜명화와 시대의 만남＞

* 출판사에서 받은 책을 읽고 주관적으로 리뷰하였습니다.

고동희 작가는 이 책에서 명화를 시각적인 아름다움 그 이상으로 해석한다. 그림이 탄생한 시대적 배경, 사회적 분위기, 그리고 인간의 삶이라는 거대한 서사 속에서 명화를 읽어내는 탁월한 통찰력을 보여준다. 이 책에서는 세계적으로 유명한 16명의 화가와 그들의 대표 작품에 얽힌 이야기를 소개하고 있다. 

책의 제목 그대로 명화와 시대의 유기적인 관계를 심도 있게 탐구한다. 작가는 작품의 기법이나 화가의 생애뿐만 아니라 한 점의 명화가 어떻게 당대의 정치, 경제, 사회, 문화적 흐름과 엮어 있는지 섬세하게 풀어낸다. 무엇보다 이 책은 목차대로 읽을 필요가 없다. 좋아하는 화가나 관심 있던 화가부터 접근하면서 확장해서 읽어보면 좋다. 

무엇보다 나는 이 책에서 아마데오 모딜리아니의 짧지만 강렬했던 삶을 볼 수 있었다. 모딜리아니는 독자적이고 매혹적인 예술 세계를 구축한 화가이다. 열정적이고 자유로운 영혼을 지닌 파리의 보헤미안이라는 수식어가 그를 완벽하게 표현하고 있다. 피카소, 로트렉 등 당대 유명한 예술가들과 교류하며 영향을 주고받았지만, 특정 예술 사조에 얽매이지 않고 자신만의 길을 걸었다. 부르주아적 삶을 거부하고 가난 속에서도 예술에 대한 열정을 불태웠으며 경제적으로 어려웠지만, 위트와 매력이 넘쳐 주변 사람들에게 많은 영향을 주었다. 그의 삶은 불규칙한 식사와 음주, 약물 복용으로 점철되었지만, 이러한 방랑벽과 고독함이 그의 예술혼을 더욱 깊게 만들었다. 

그의 화풍은 독특하다. 긴 목과 타원형 얼굴, 텅 빈 눈, 절제된 색채와 선의 미학, 인간 본질 탐구의 세계가 돋보인다. 모딜리아니의 삶과 작품은 분리해서 생각할 수 없을 정도로 밀접하게 연관되어 있다. 개인적인 경험, 인간관계, 건강 문제 등이 작품의 주제, 형식, 그리고 독특한 화풍에 깊이 반영되어 나타난다. 그의 작품에서 느껴지는 몽환적이고 때로는 고독한 분위기는 모든 것을 잃어가는 절박한 상황에서도 그림에 매달릴 수밖에 없었던 그의 절박함에서 비롯된 것이다. 모딜리아니는 초상화를 주로 그렸는데, 외모 재현하는 것을 넘어선 행위로 내면의 영혼을 탐구했다. 풍요로운 물질문명 속에서 살고 있지만, 역설적으로 공허함과 무기력을 느끼는 우리에게 모딜리아니의 삶은 외부적인 조건이 우리의 행복과 의미를 결정하지 않음을 시사한다. 진정한 만족과 풍요는 우리가 어떤 상황에 처해 있든, 자신의 내면에 집중하고 가치 있는 것을 추구하며 살아갈 때 얻을 수 있다는 메시지이다. 

이 책을 읽으며 가장 인상 깊었던 점은 작가가 익숙한 명화들을 낯선 시선으로 바라보게 만드는 힘이다. 우리는 흔히 클로드 모네의 빛과 색채에 대한 끊임없는 탐구나 빈센트 반 고흐의 강렬한 붓 터치에만 집중하곤 한다. 그러나 고동희 작가는 작품 속에 숨겨진 시대의 목소리에 귀 기울이도록 이끌어준다. 마치 그림 속 인물들이 살아 숨 쉬는 듯, 그들의 표정과 행동 뒤에 숨겨진 시대의 아픔과 희망을 읽어내게 하는 것이다. 

이 책을 통해 독자에게 전달하고자 하는 핵심 메시지는 명화는 특정 시대의 정수이자 그 시대의 인간 존재를 반영하는 거울이라는 것이다. 명화를 감상하는 행위는 결국 과거의 시간을 여행하고, 그 속에서 살아 숨 쉬었던 사람들의 이야기를 듣는 것과 같다는 작가의 통찰은 깊은 울림을 준다. 우리는 이 책을 통해 독자들이 미술을 통해 역사를 배우고, 역사를 통해 미술을 더 깊이 이해하는 다층적인 경험을 하기를 바라는 듯한 작자의 마음을 느낄 수 있다. 

미술 애호가뿐만 아니라 인문학적 소양을 넓히고 싶은 독자라면 읽어보길 추천한다. 그림을 통해 시대를 읽고, 시대를 통해 그림을 이해하는 이 책은 우리가 지나쳐 온 많은 것들에 새로운 의미를 부여할 것이다. 명화를 그저 아름다운 그림으로만 보지 않게 되며, 그림 속에서 시간의 숨결과 지금을 살고 있는 나의 삶 속에서 새로운 발견을 하는 기쁨을 만날 수도 있을 것이다.