‘우리 몸과 미술’ 이라는 책의 내용은 지루하다라기 보단 각 장마다 큰 주제를 가지고 흥미로운 내용을 담고 있다.  몸은 고대로부터 아름다움의 대상도 되어왔지만 그 아름다움이 극대화되어 표현되는 르네상스시대에 오면 그저 몸이라는 대상을 보고 그리는 것뿐만 아니라 몸에 대한 탐구가 일어났다.  이처럼 조각과 미술의 역사에서 인체는 주제와 소재로서 결정적인 위치를 차지해왔다. 또한 그림과 조각의 주제와 소재로 사람이 많이 등장하고 있다. 그것은 어쩌면 당연한 것이다. 인체는 우리가 가장 많이 접하고 가장 잘 알고 있는 것이면서도 많은 이야기 거리를 제공해 주기 때문이다.

 그리스, 로마와 같은 고전시대 때는 사실적인 인체의 묘사가 절정에 올랐었고 서양 미술사에서도 미의 표본으로 본받았던 것은 주지의 사실이다. 작가들은 점차 모방이 아닌 자기들만의 개성적인 방향으로 예술을 이끌어 나가게 되었다. 책에서도 ‘이런 여자가 살아서 걸어 다닌다면 괴물에 불과할 것이나 작가의 관념에 의한 변형이 있었기 때문에 예술품이 된다.’ 라는 제목으로 그림 한 장 이 나와 있듯이 그러면서 점차 구상보다는 추상의 경향으로 흘러가게 되었고 사실적인 묘사나 표현보다는 작가의 생각을 표현하는 것이 주류를 이루게 되었다. 오늘날에는 솔직히 조각이나 회화 쪽에서도 사실주의와 같은 구상작업보다는 추상적 작업이 더욱더 각광 받고 있는 것도 사실이다.

이런 추상작업들은  왜곡, 확대, 축소, 삭제, 등 을 많이 하고 있는데 해부학에서 배운 지식과는 완전 다른 모양을 가지고 있기 때문에  이런 모습을 한 조각이나 그림들을 보면  해부학 지식이 필요 없어도 충분히 작업을 할 수 있는 것처럼 보인다. 그러나 사실적인 테크닉과 기본이 되는 해부학을 무시할 수는 없다. 추상화의 단계로 넘어가기 위해서는 구상이라는 단계가 아래에서 받쳐주어야 하고 또 아이디어를 내기 위한 밑바탕이 되기 때문이다.

 지금까지 이름을 날렸던 예술가들도 보면 하루아침에 갑자기 영감이 떠올라서 후대에 전해질만한 독특한 양식을 만든 것이 아니었다. 그 전 단계에 충분한 연습과 고뇌를 통해서 자신만의 개성을 창출한 것이었다.  ‘인체의 기능과 아름다움의 상관관계’ 라는 장을 보면 아래와 같은 글귀가 적혀있다. “‘인간이 ‘축소된 우주’이며 화가들은 사람의 모습이 가장 ‘아름답다‘ 라고 하고, 음악가들은 사람의 목소리가 제일이라느니 하면서 사람의 미적 완전성에 동의를 표하곤 한다고 하면서 인체의 아름다움에 대하여는 이견이 없는 것 같은 말을 하고 있다.”  그 이유를 나는 인간이라는 것이 자연의 산물이고 그 안에서 각 인체 요소들이 서로 조화를 이루고 있기 때문이 아닐까?

 이렇듯이 인체 안에는 각 요소들의 조화와 포즈에 따른 긴장, 이완, 변형과 운동감에 따른 공간감과 골격의 구조 등 모든 조형적 요소가 숨어있으므로 기본적으로 해부학에 근거해 인체를 만들고 그리는 과정이 필요하다고 본다.