서양 고전 음악(classic)의 근간이 교회 음악이듯이, 미술 [Art] 의 기원은 알타미라 동굴 벽화에서처럼 종교적·주술적인 표현에서 시작했다. 하지만 동굴 벽화의 애초 목적이 그랬어도 점점 미술은 인간의 욕구를 드러내고, 아름다움을 인식하는 도구이자 매체로 자리잡았다. 미술사가 윌리엄 본이 총편집을 맡고, 여러 전문 평자들이 글을 쓴 ＜화가로 보는 서양 미술사＞에서 서양 미술의 전반을 살펴보았다.

왕을 신격화하기 위해 건설한 이집트의 피라미드는 그 웅장함과 조화로움으로 미적인 찬탄을 동시에 불러 일으켰다. 이후 기원전 7세기에서 5세기에 발생한 고대 그리스 미술은 다른 그리스 문화와 마찬가지로 현대까지 영향을 끼치고 있다. 철학, 과학, 민주주의가 꽃피운 배후에 토론하고 연구하고 탐색하는 정신이 놓여있었는데 이는 시각예술에서도 찾아볼 수 있다. 하지만 절대적인 어떤 법칙을 벗어나지는 않았는데, 이는 재현을 추구하는 것보다 조화로운 모양과 품위있는 형식을 중시했기 때문이었다. 로마 시대에 들어 종래의 전통을 흡수하면서 공학기술까지 도입하여 서기 82년에는 콜로세움이라는 건축물로 결정타를 보여준다. 그리스도교가 받아들여지면서 미술에 동방 국가의 영향이 뚜렷해지고, 이후는 종교의 발달에 동반해 황금색같은 화려한 색채를 장식, 경외감을 일으키는 비잔틴 모자이크 등으로 한 시대를 구가했다.

이후에 로마네스크 양식으로 출발하여 고딕(12~16C), 바로크, 로로코 등으로 명명되는 형식미학들을 연이어 발전시킨다.

인문주의를 부활시킨 르네상스 운동에서 미술의 역할과 비중은 지대했다. 유럽 전반에 걸친 물결이었지만 핵심을 알고 싶다면 역시 이탈리아 피렌체를 중심으로 한 이탈리아 미술을 말할 수밖에 없다. 미켈란젤로와 다 빈치, 보티첼리 정도만 알고 있던 내게 이 책에서 제공하는 커다란 그림과 함께 알게된 재능있는 화가들을 살펴보는 것만도 벅찼다. (@.@) 필자는 피렌체를 못 가봤는데, 박물관에 직접 가서 오랫동안 보면서 현기증이 났다는 작가들의 말을 이제 믿겠다. ㅎㅎ 가끔 그런 생각이 든다. 과장된 말인지 모르지만, 오스트리아 관광산업을 모차르트 가, 바티칸은 미켈란젤로 한 사람이 유지시키는 게 아닌가 하는. 뭐, 부럽다는 얘기겠다.

19세기에 이르러 미술가의 활동에 큰 영향을 미친 것은 그들의 조국이 처한 상황이었다.

“네덜란드에서는 개신교와 신흥 상업주의(근대 자본주의의 기원)가 전례가 없는 현실의 미술을 촉진하는 한편, 역설적이게도 램브란트의 내성적이고 영적인 미술을 위한 토대를 준비한 것으로 보인다.

프랑스에서는 17세기 말 루이 14세가 권력을 장악하면서 대대적으로 시각예술을 장려하는 세밀한 정책이 시행되었다. 18세기에 프랑스 미술이 주도적인 역할을 하기 시작하면서 20세기 중반까지 그 지위를 지속적으로 강화, 유지한 것이 바로 이 정책의 산물이라고 말하는 것은 결코 과장이 아니다. 다른 어느 나라에서도 미술가들이 더 나은 교육과정을 거치거나 더 후한 국가지원을 받은 적은 없었다. 1789년의 혁명으로 프랑스 왕정이 붕괴된 뒤에도 그 정책은 공화정, 왕정, 제정 등 뒤를 이은 정치체제들에 의해 유지되었다.”

고딕 시대의 이탈리아 화가 조반니 디 파올로(Giovanni di Paolo)의 성화들은 이전까지의 성스러운 풍과 궤를 달리 했다. 이탈리아 종교화를 잘 모르는 내 눈에도 색채며, 화풍이 확연히 다른게 느껴지는 작품이 ＜사막으로 물러나는 세례자 요한＞(1453년)이다. 피렌체의 수호성인이 세례 요한이어서 요한에 대한 그림이 많은데 그는 ＜세례자 요한의 탄생＞도 그렸다. 옛날 그림을 보면 지금과는 질감이 완전히 다른 느낌이 나는데 그것의 정체를 알았으니 바로 ‘템페라’라는 일종의 물감 재료였다.

사실 미술 애호가 초짜에게는 가장 난해한 두 영역이 중세 이전까지의 성화, 그리고 현대의 추상주의 및 초현실주의가 아닐까 싶다. 미술에 정답이 있는 건 물론(!) 아니지만 중세 그림들은 지나친 상징과 규칙에 얽매여 보이기 때문이었다. 그런데 파올로의 요한 그림들을 보면서 그림을 ‘읽는’ 재미를 발견했다.

왜 같은 인물이 한 패널(그 당시 그려진 곳)안에서 두 장소에 원근감을 무시한 채 있는가 싶지만, 상상력을 가미하면 느껴지는 것이다. 전문 평론가(저널리스트)의 정확하면서도 친절한 해설을 곁들여 읽으니, 정말 신기하고도 재밌었다. ^^

이번 책에서 필자가 발견한 작품들은 기존에 널리 알려진 예쁘고, 화려한 회화들이 아니었다. 어떻게보면 그런 사람들(다 빈치, 르노와르 등)의 그림에는 눈이 익숙한 관계로, 그렇지 않은 신선한-실은 처음 보는- 화풍에 매료되어서 일지도 모르겠다. 특히 1400~1500년대에 잘 알려지지 않았던(어디까지나 내 기준) 북유럽의 화가들, 그림들을 보는 것이 정말 좋았다. 네덜란드 화가들의 그림은 이탈리아보다 분명 투박하고 기교도 단순했지만, 그들만의 특유의 정교하고 심플한 예술미가 있어 보였다.

얀 반 에이크를 필두로, 로히어르 판 데르 베이던의 ＜책을 읽는 막달라 마리아＞(1445), 로베르 캉팽의 ＜메로데 제단화＞, ＜목자들의 경배＞(1420년)는 수태고지, 요셉 등 종교 속 인물을 다루면서도 일상 생활과 접목되어 편안한 느낌을 받았다. 배경의 깨알같은 아기자기한 묘사, 들여다 볼수록 새로 발견되는 사물들에서 풍부한 영감을 받을 수 있다. 창 밖으로 네덜란드의 건물들과 광장, 사람들이 세밀하게 그려진 모습에 감탄! ＞-＜

메디치 家, 혹은 귀족의 후원을 받아 궁전과 예배당의 벽, 천장에 그린 프레스코화들은 역시 장엄하게 다가온다. 특히 몇 년에 걸쳐 한 작품에 열중했을 화가들을 생각하면, 직업이 아니라 장인 정신으로 임했을 열정과 인내가 느껴져 감동을 준다. 농담조로 말하는 ‘이탈리아 장인들이 한 땀, 한 땀 만든’은 정말 실제였던 것이다…! 이 경이로운 그림들을 직접 가서 본다면, 진정한 예술가의 소명의식이란 무엇인지 느낄 수 있을 지도 모르겠다.

어여쁜 그림으로 유명한 보티첼리에 대해서는 색다른 사실, 몰랐던 것들을 알았다. 그의 유명한 ＜봄＞과 ＜비너스의 탄생＞이 긴 의자의 등받이와 벽에 걸어두기 위한 장식을 목적으로 그려졌다는 일화였다. 지금 보면 순정만화 주인공같고 팬시한 여성들만 생각나는데, 보티첼리는 피렌체의 반란 세력을 처형한 무서운 그림도 그렸다고 한다.

아무튼 다시 봐도 그림 속 배경의 우아함과, 시스루 룩을 그 옛날 어쩜 저리 세심하게 그렸나 감탄할 뿐이다.^^

from 네이버 지식백과 에서

예전에는 시스티나 성당을 천지창조로만 알았는데, ＜화가로 보는 서양미술사＞에서 보면 뛰어난 화가들이 많은 프레스코화를 그린 걸 알았다. 그림을 좋아하고 그리는 사람들에게 시스티나 예배당은 가히 성지가 아닐까 싶다.

종교화들 중에는 호들갑스럽게 기교를 부리고, 형식에 구애를 받는 작품이 많은 게 사실이었지만 그렇지 않은, 절제된 화풍도 적지 않았다. 개인적으로, 그런 그림들이야말로 진정한 신앙심을 북돋고, 경건한 묵상에 도움이 될 거란 인상을, 책으로 그림들을 보며 받았다.

그렇지만 그림이란 역시 해석하기 나름일 것이다. 그래서 나도 평론가들의 해설에 완전히 반대로 생각하는 그림도 몇 점 있었다. 어쨌거나 보는 이들에게 다양한 정서를 제공하는 그림 또한 걸작인 건 분명하리라.

＜화가로 보는 서양미술사＞의 작품 중에는 무섭고, 이해할 수 없는 작품들도 대거 있었다. 특히 네덜란드 히에로니무스 보스가 1510년 그린 ＜세속적 쾌락의 정원＞을 그 페이지를 펼치는 순간 으악~ 소리가 절로 나왔다. 어떻게 그 시절에 저렇게 충격적이고 기괴하면서도 완성도 있는 그림을 그릴 수, 아니 생각해 낼 수 있었을지 쇼킹했다. 히에로니무스가 천국과 지옥을 형상화했다고 하는데 아직은 적응하기가 힘들었다. 더 놀라운 점은 악취미에 가까운 보스의 그림들이 꽤 인기가 높아서 왕과 백작들이 주문하였다니, 충격적인 것에 끌리는 사람들은 옛날에도 있었나 보다.

미켈란젤로는 미술사에서 전반기의 대표적인 인물일 것이다. 그런데 그의 인생을 읽으며 어쩐지 그가 마냥 행복하기만 하진 않았을 것 같아 짠했다. 천재 맞고, 성품도 올곧았지만 워낙 명성이 드높고 권력층이 그를 한시도 가만두지 않았기에 피곤하기도 했을 것 같다.

책을 통해서 화가들의 작품들이 전쟁이나 어떤 이유로 소실되었다는 문장에서 안타까웠는데, 전쟁이나 재해 등으로 미켈란젤로의 주요한 작품이 훼손되지 않았다는 게 얼마나 감사한가, 그런 생각까지 처음 들었다. 거대한 돌덩이를 보면 그 안에 숨어 있을 아름다운 사람을 생각했다는 미켈란젤로의 비범함은 어디에서 기인했을까, 앞으로 알고 싶은 미스테리다. 미켈란젤로의 영향은 이후 화가들에게 상당했고, 성 베드로 대성당의 돔을 제작한 건축가이기도 하다. 그 돔은 미국의 국회의사당, 런던의 세인트폴 성당에까지 고스란히 이어진 위업이었다.

피터르 브뤼헐의 '추수하는 사람들' (네이버 지식백과)

몇 년전에 알게된 ‘피터르 브뤼헐’은 아마 많은 이들이 좋아하고 관심을 갖는 네덜란드 화가일 터이다. 네덜란드의 일반 시민과 농민들의 생활상을 해학과 풍자를 담아, 뛰어난 실력으로 그린 풍경화가인 브뤼헐의 작품들은 앞으로도 계속해서 찾아보게 될 것 같다.

양 면으로, 커다란 그림으로 ＜눈 속의 사냥꾼들＞(1565)을 보니 얼음판위에서 즐겁게 노는 사람들이 세세하게 보였고, 숨은 그림 찾기 하는 기분이 들어 유쾌했다. 그의 작품들을 국내에서도 전시회를 했으면 좋겠다. (혹시 한 적이 있는가?^^)

개인적으로 알게되어 기쁘고 놀라웠던 두 명의 화가를 소개하고 마칠까 한다.

영국의 로렌스 스티븐 라우리(Laurence Stephen Lowry)와 독일의 조지 그로스(George Grosz)이다. 라우리는 영국 민중들의 삶을 사실주의와 현대적인 기법을 자유롭게 사용해 그렸고, 조지 그로스는 자신의 조국이 처한 당대의 실상을 통렬하게 그린 표현주의 화가다. 그는 독일을 떠나 미국으로 가서 활동하게 되고, 나치는 그의 작품들을 불태워버렸다고 한다.

＜공장에서 퇴근하는 사람들＞(30)과 ＜사회의 기둥들＞ (26) 둘 다 만화적인 느낌이 나고, 캐리커처 예술의 진수다.

산업혁명 이후에 폭발할 태세로 성장하던 영국의 공장 지대를 그린 로우리의 ＜공장에서 퇴근하는 사람들＞은 현재의 시점에서 봐도 전혀 어색하거나 낯설지 않았다. 바쁜 퇴근길, 몰려드는 인파들, 멀리서 보면 기계처럼 돌아가는 풍경이지만 가까이 다가가서 보면 각 사람들의 드라마가 느껴질 것만 같다. 찰리 채플린의 ＜모던 타임스＞도 연상됐다.

＜사회의 기둥들＞을 처음 보면서 흠칫했지만, 그만큼 당시의 독일 정치와 사회가 암울했을 것이기에 그것을 가감없이 캐리커쳐로 묘사한 화가의 심정을 떠올리게 했다. 군인들, 사제, 기자, 정치인, 나치 당원까지 전쟁에 미쳐있는 모습이 섬뜩하고 리얼하다.

이밖에 파블로 피카소로 대변되는 입체파와 야수파, 칸딘스키와 몬드리안, ＜절규＞의 뭉크, 샤갈, 빈센트 반 고흐, 잭슨 폴록과 앤디 워홀에 이르기까지 스타급 화가들을 총망라하고 있다.

잘 모르기도 했고 그다지 관심 없었던 미국 쪽 화가들을 알게 된 것도 ＜화가로 보는 서양미술사＞의 수확이었다.

르네상스 시대에 기라성 같은 화가들이 서로 경쟁하면서 그 가운데 창의성이 발휘되어 서로 시너지 효과를 일으킨 일이 제일 기억에 남는다.

근대에 들어 미술은 체계적인 산업화와 이론적인 학술화가 동시에 이루어졌다. 소비층(귀족과 부르주아 상인)과 창작자를 연결시켜주는 미술상(商)이 등장하고, 미술평론가가 본격적으로 평을 쓰게 되었다. 이리하여 미술의 저변을 넓히는 데 기여한 측면이 크다고 저자 윌리엄 본은 밝히고 있다. 협소하게 알고 좋아했던 서양 미술을 깊이있고 재미도 있게 알 수 있었던 책, ＜화가로 보는 서양미술사＞였다.

‘특정 미술작품이 제작되는 환경을 아무리 철저하게 설명할 수 있다 해도 미술 자체는 설명할 수 없는 수수께끼로 남는다. 만들어낸 이미지는 처음으로 동굴 벽에 어떤 모양을 그려놓고 바라보았던 먼 옛날의 인류를 사로잡았듯이 지금도 우리의 마음을 사로잡는다.’

(William Vaughan)

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