기억에 관한 분자 메커니즘을 밝힌 공로로 2000년 노벨 생리의학상을 수상한 에릭 캔델은 이미 『통찰의 시대』를 통해 미술에도 상당한 조예가 있음을 보여주었다. 『통찰의 시대』에서 자신의 고향, 오스트리아 빈에 대한 애정과 함께 그곳을 중심으로 꽃피웠던 표현주의 화가 구스타프 클림트, 에곤 실레, 오스카어 코코슈카의 그림을 분석하고, 또 그것을 신경학과 연결시켰다. 미술에서의 감동이 어디에서 오는지를 그들의 초상화에 대한 분석을 통해 심도 깊게 분석하고 있었다.

그의 미술에 대한 관심과 뇌과학의 발견과의 통합은 이어진다. 『어쩐지 미술에서 뇌과학이 보인다』는 『통찰의 시대』보다 훨씬 가볍다. 여기서 캔델은 뉴욕학파의 추상표현주의를 중심으로 분석한다. 추상 미술의 선구자인 터너와 모네로부터 시작해서, 몬드리안을 거쳐 뉴욕학파의 화가들, 즉 데 쿠닝, 폴록, 로스코, 모리스 루이스, 앤디 워홀 등으로 이어진다. 그리고 그들의 추상화들은 뇌과학의 측면에서 어떤 의미가 있는지, 왜 현대에 그런 추상 미술이 성공을 거두게 되었는지를 분석한다. 그 매개는 바로 환원주의(reductionism)다.

여기서 켄델이 사용하는 환원주의란, 과학과 미술에서 서로 달리 쓰이는 용어이면서도 서로를 잇는 용어이기도 하다. 과학에서 환원주의는 ‘기초적, 기계적 수준에서 구성 요소 중 하나를 조사함으로써 복잡한 현상을 설명’하려는 시도이다. 과학적 환원주의는 종종 비판의 대상이 되기도 하지만, 복잡한 대상을 바로 이해할 수 없을 때 그 대상을 이해하는 수단으로써 가장 효과적인 방법이다. 또한 지금까지 엄청난 성공의 예를 보여줘 왔다. 이 과학의 환원주의가 ‘강력한 감정을 환원시키는 하나의 선, 하나의 복잡한 장면, 하나의 미술 작품의 지각에 이용될 수 있다’는 것이 캔델의 주장이다. 구상적 표현 대상을 ‘선과 색’ 등으로 환원시키는 미술이 바로 추상 미술이다. 이렇게 과학과 추상 미술은 연결된다.

그렇다면 추상 미술은 왜 성공했는가? 미술의 성공은 감상자들의 감정을 흔든다는 것을 의미한다. 그 작품을 보기 전과는 다른, 어떤 느낌을 갖게 된다는 것이다. 그게 왜 가능한지에 대해서 캔델은 뇌과학의 기억과 학습에 대한 연구 성과를 통해 분석한다(기억과 학습에 대한 연구가 바로 환원주의적 연구의 대표적인 예이기도 하다). 학습이라는 것은, ‘신경 회로의 연결 부위의 강도를 조절’함으로써 기억을 형성한다. 어떤 것을 시각을 통해 보고, 그것이 무엇인지를 아는 과정은 상향 처리와 하향 처리의 두 방향으로 이루어지는데, 상향 처리가 대상 자체를 인식하는 것이라면, 하향 처리는 이전의 기억을 통해서 대상을 지각하는 과정이라고 할 수 있다. 그런데 추상 미술은 감상자에게 하향 처리의 과정에 더 의존하게 한다. 즉, 화가는 ‘이미지를 형태, 선, 색, 빛으로 환원’함으로써, 감상자는 그 그림을 이해하기 위해서 ‘감정, 상상, 창의성에 더 의존’하게 되는 것이다. ‘추상화가는 회화적 세부 사항을 제공하려고 하는 것이 아니라, 감상자가 자신의 독특한 경험을 토대로 그림을 완성할 수 있도록 ‘조건’을 창조한다.’

캔델은 이러한 상황을 구상화가에서 추상화가로 넘어간 화가들을 통해서 보여준다. 왜 그들이 그린 구상화보다 추상화, 그저 선만 존재하고, 색만 존재하는, 혹은 그냥 물감을 뿌려댄 그림들에 사람들이 더 열광했는지는 바로 뇌과학을 통해서 이해할 수 있다는 것이다. 충분히 납득이 가는 설명이다(혹은 알고 있지만, 이렇게 뇌과학의 용어를 써서 더 있어 보이는지도 모른다).

캔델의 시도는 분명 두 문화의 통합에 관한 한 시도다. 벌어지기만 하는 과학과 인문?예술 분야가 이렇게 행복하게 만나는 경우는 드물다. 켄델은 신경과학에 대한 설명 수준을 대폭 낮춤으로써 두 문화 사이의 거리를 더 좁혀놓았다. 그래서 개인적으로는 현대 추상 미술에 대해 배운 게 더 많았다. 그냥 애호가의 수준에 머물지 않고, 본격적으로 분석하고 정교한 논리를 만들어내는 것은 누구나 할 수 있는 일이 아니다. 그래서 『통찰의 시대』가 감동적이었고, 이 책 『어쩐지 미술에서 뇌과학이 보인다』도 못지 않게 훌륭하다.

빈 태생의 뇌 과학자 에릭 캔델(Eric R. Kandel)이 자신의 전공분야와 미술의 통섭을 모색한 두 번째 연구서다. 첫 번째 시도였던 「통찰의 시대」에 비하면 스케일이 확 줄었다. 전작에서 저자는 유달리 통섭적 창조력이 폭발했던 세기말 빈에서 정신분석, 의학, 예술이 서로 영향을 미치면서 새로운 국면으로 발전했던 양상을 보여주었다. 그간 서양미술사에서 간과되었던 인간의 내면 깊숙한 곳의 미묘한 심리적 양상들이 클림트, 오스카 코코슈카, 에곤 쉴레의 작품에서 어떻게 발현되었는지를 살펴보았던 대작이었다. 뇌 과학으로 노벨상을 수상한 저자는 그 책을 통해 지각심리학, 뇌 과학, 미술을 아우르는 혁신적이고도 폭넓은 혜안을 보여주었다.

지각심리학과 뇌 과학, 그리고 미술의 통섭이라는 주제의식은 동일하지만, 제목을 언급하기 민망한 이번 신간에서는 그 범위를 확 줄였다. 아마도 「통찰의 시대」에서 이미 대부분의 과제를 논의했기 때문에 그 이후에 촉발된 새로운 관심사와 발견들로만 범위를 한정한 모양이다. 어쩔 수 없이 한번은 제목을 언급할 수밖에 없는 이번 책, 「어쩐지 미술에서 뇌과학이 보인다: 환원주의의 매혹과 두 문화의 만남」은 시지각에 관한 뇌 과학 이론과 현대미술의 추상화 경향에서 공통적으로 발견되는 ‘환원주의’에 초점을 맞추어 몇 가지 가능성들을 짚는 수준에서 개관하였다.

먼저, 자신의 전공분야라고 할 수 있는 시지각의 생물학적 메커니즘 속에서 환원주의는 방법론적 측면과 실제 지각 측면의 두 양상으로 살펴 볼 수 있다. 방법론적 측면에서는 복잡한 감각계와 신경계에서 벌어지는 복잡한 시지각 과정을 최대한 단순화된 실험설계나 예시를 통해서 검증하고 거기서 발견한 원리를 보다 복잡한 과정에 적용함으로써 진리에 가깝게 다가가는 것이다. 예를 들어 민달팽이의 일종인 군소의 시지각 체계는 기본적으로 인간과 유사하면서도 매우 단순화된 형태를 띠고 있는데, 군소에 대한 자극 실험을 통해서 일종의 선험적 구조를 바탕으로 하는 상향정보 처리 과정과 학습의 피드백으로서 하향정보 처리 과정을 살펴볼 수 있다. 이 실험은 우리의 뇌가 수용한 자극을 바탕으로 학습하여 특정한 인지 및 반응 체계를 변화시킬 수 있다는 점을 시사한다.

실제 지각 측면에서 환원주의는 세상에서 우리가 지각할 수 있는 수많은 대상들 중에서도 우리가 초점을 맞추게 되는 특별한 대상들이 존재하고, 그 대상들은 우리 뇌의 전담 체계를 통해서 일종의 특별대우를 받는다는 점에서 확인할 수 있다. 예를 들어, 인간을 포함한 유인원은 얼굴을 인식하는 부위인 얼굴반이 특별히 발달하였는데, 이 얼굴반은 감정과 행동을 좌우하는 시상하부와 긴밀하게 연결되어 있다. 이를 통해서 대상의 얼굴은 우리에게 매우 특별한 의미를 지닌다는 사실을 알 수 있다. 이는 아마도 DNA 속에 깊숙이 내재된 ‘접근과 회피’의 기제를 뒷받침해준 훈련과 진화의 산물일 것이며, 생존과 종족번식을 위하여 반드시 필요한 능력이었다. 우리는 아무리 복잡하고 애매한 대상에서도 순식간에 누군가의 얼굴을 식별할 수 있고, 심지어 그 얼굴의 감정까지 읽을 수 있다. 이것이 시지각적 환원주의의 가장 대표적인 사례이다.

“우리의 세계 지각이란 현실에 부합되는 환상이다.”

크리스 프리스

미술에서 환원주의를 설명하기 위하여 저자는 모더니즘 미술사를 개관한다. 환원주의의 씨앗은 영국에서 터너가 뿌렸다. 이 책에서는 빠졌지만 눈에 보이는 ‘있는 그대로’의 풍경을 잡아내기 위해 노력한 컨스터블의 노력도 빼놓아서는 안 된다. 이들의 화풍에서 볼 수 있는 초기 형태의 환원주의는 ‘마땅히 거기에 있다고 알고 있는 것’을 그리던 것에서 탈피하여 ‘지금 내 눈 앞에 있다고 느끼는 것’만 선별적으로 그리는 태도로의 변화이다. 이 태도는 이내 프랑스의 아방가르드들에게 전이되어 마네에서 세잔으로 이어지는 ‘평면혁명’을 예고하였다. 20세기 미술을 열어젖힌 피카소와 마티스는 각각 형태와 색채의 반란을 일으키며 이제 2차원적 평면 위에 3차원의 환영을 만들어내는 이젤회화의 사명을 완전히 파괴해버렸다. 이후 뉴욕시대에 이르러 이제 알아 볼 수 있는 그 어떠한 형태도 남아 있지 않은 완전한 추상의 시대, 환원주의의 끝에 도래하게 된다.

미술에서 환원주의는 결국 대상을 사진 찍듯이 있는 그대로 재현하는 것이 아니라 화가의 심상 속에서 점점 단순한 형태로의 변환, 그리고 나아가 아예 그 어떠한 대상도 참조하지 않는 형태의 창조를 포괄한다. 재현이 아닌 창조로서의 추상미술은 전에 없던 시지각적 체험을 선사하며 미처 개발되지 못했던 새로운 차원의 감성과 감정을 훈련시킨다. 선험적 구조 속에서 특정한 형태를 상향정보를 통해 지각하고, 하향정보 과정을 통해 기존의 학습 이미지들과 결합하려던 시도는 무산되고 새로운 차원의 판단과 사고영역 속에 내던져질 수밖에 없게 된다. 결국 추상미술은 화가의 의도와 감정을 유추하는 모험이 되고 관람자의 자아 속에 흩뿌려져 있던 형언할 수 없는 심상의 조각들을 일깨우는 촉매제가 된다. 얼굴반처럼 우리 뇌에서 기존에 왕성하던 특정한 범주를 선택적으로 활성화시키는 것이 아니라, 동시다발적으로 지축을 뒤흔들며 폭넓은 파문을 일으킨다. 우리가 미처 경험하지 못했던 그 파문이 추상미술이 성공을 거둔 이유이며, 미술사에서 환원주의의 승리를 보여주는 대목이다.

“시지각은 세상을 보여주는 단순한 유리창이 아니라 사실상 뇌의 창조물이다.” 48

가벼운 분량이지만 곰곰이 생각해보면 결코 가볍지 않은 사유의 단초들로 가득한 책이다. 미술과 과학의 통섭적 지점에는 늘 우리의 흥미를 자극하는 요소가 있다. 아마도 그 둘이 원래 하나였기 때문일 것이다. 합리주의적 사고의 일반화로 인하여 거스를 수 없이 벌어지고 있는 두 문화를 중재하기 위한 노과학자의 투쟁이 아직도 끝나지 않았다는 점이 경이롭다. 노벨상을 수상하고 나면 대부분 특강을 다니느라 정신없어서 정작 본연의 연구에는 소홀해지니 인류 전체에는 ‘노벨상의 저주’가 아닐 수 없다는 이야기를 들은 적이 있는데, 에릭 캔델에게는 그 속설이 통하지 않는 모양이다. 과학과 예술이 자유롭게 만났던 ‘빈1900’의 살롱문화가 다시금 도래하기를 바라는 저자의 소망이 이루어지길.

(+) 이 책의 최대 문제점은 역시나 한국판 제목인데, 처음에 미술 분야 신간 목록을 보다가 이 제목을 보고 ‘아니, 무슨 곰돌이 푸 에세이 같은 책이 여기 껴있나…’ 하면서 눈을 비벼야 했다. 하마터면 제목 때문에 그냥 지나칠 뻔했다. 내가 그토록 존경하는 에릭 캔델의 신간이었는데도!

「미술과 뇌과학의 환원주의(Reductionism in Art and Brain Science)」라는 이 정갈하고도 기품 넘치는 제목을 폐기처분하고 말랑한 포장으로 상업주의와 결탁하려한 프시케의숲 측에 분노하지 않을 수 없다. 페넬로페 크루즈의 매력이 돋보인 영화 「내 남자의 아내도 좋아(Vicky Cristina Barcelona, 2008)」 이후로 가장 충격적이고 지탄할만한 초월번역이다.

...뉴욕학파 화가들은...이미지를 형태, 선, 색, 빛이라는 본질적인 요소로 환원함으로써 시각적 재현의 본질을 탐구한다. 구상미술에서 추상미술로 옮겨가던 시기의 화가들에 초점을 맞추어서, 그들의 접근법과 과학자들이 쓰는 환원주의 사이의 유사점을 살펴보려 한다...내 핵심 전제는 비록 과학자들과 화가의 환원주의적 접근법이 목적 측면에서 동일하지는 않지만(과학자는 복잡한 문제를 풀기 위해 환원주의를 사용하고, 화가는 감상자에게 새로운 지각적 정서적 반응을 이끌어내기 위해 환원주의를 사용한다), 유사성이 있다는 것이다.

2000년 노벨 생리 의학상을 수상한 에릭캔델(Eric Kandel) 은  저명한 뇌 과학자이자 그가 쓰는 방법론은 환원주의(Reductionsm)이다. 그런데 과학적 환원주의는 기초적 기계론적 수준에서 구성 요소 중 하나를 조사 함으로서 복잡한 현상을 설명 하는 방식이다. 그는 화가들이 왜 추상화를 시작했으며 세부적인 것을 환원해 단순화한 추상화가 인간의 뇌에 어떤 영향을 미쳤는지를 꺼꾸로 분석한다고 하였다. 그래서 뇌 과학자의 시각으로 보는 현대 미술사 이기도 하고, 또 추상회화는 어떻게 현대 미술의 거대한 축이 되었을까?  하면서, 저자는 "회화에서 구상 요소를 제거 해도 감상자의 마음에 연상을 불러 일으키는 능력이 사라지는 것이 아님을 보여 준다"고 의미를  부여 했다.  이 "연상을 불러 일으키는 능력"은 추상화가 가진 주요한 힘이자 매력인데  이것은 뇌에 있는 기억과 학습 시스템을 보다 활발하게 작동 시킨다. 그리고 최초 진정한 추상화를 그린 사람은, 오스트리아의 현대 음악인 아르놀트 쇤베르크(1874~1951)인데 그는 얼굴만 남고 형체가 사라진 초상화를 통해 추상의 미래를 보여주었다. 그리고 추상미술의 선구자로는 바실리 칸딘스키 (1866~1944) 인데,  그는 1911년  신년 음악회에서 쇤베르크의 혁신적인 음악을 듣고 벼락 같은 깨달음을 얻어  "구성을 위한 스케치 V"를 그 해 선보인다, 이것은 최초의 추상화이고, 서양미술의 정전(正傳)으로 꼽히는 이 작품을 통해 칸딘스키는 음악 처럼 미술도 대상을 재현할 필요가 없으며, 그림의 형태와 색은 보는이의 마음에 감동을 주어야 한다는 것을 웅변 했다.   전후 뉴욕을 중심으로 발현한 추상 표현주의는 액션 페인팅을 통해 형태를 개개인의 경험 인식을 작품 해석에 적극적으로 끌어 들였다. 이 같은 현대미술의  흐름을 저자는 다양한 뇌 과학적 비주얼 자료를 활용해 설명 했다.이 과정에서 독자들은 뇌가 미술작품에 어떻게 반응하고 우리가 무의식적, 의식적 자각과, 감정과, 공감을 어떻게 처리 하는지 유염해 살펴 보라고 저자는 강조 한다.  또 아름다움 이라는 것은  보는 이의 눈에만 있는 것이 아니라,  뇌의 전의식적 창작 과정 속에도 있다는 것이다.   그리고 1959년 스노가 이야기한 이래로 우리는 과학과 미술이 상호 작용할 수 있고, 서로를 풍성하게 할 수 있음을  발견해 왔다. 이제 새로운 마음의 과학이 지성사의 문화사에 새 장을 열수있는  뇌 과학과 미술간의 대화를 촉발 하려는 듯하다는 이야기에 매우 공감 하였다.