1장 ‘나를 완성한 패션’은 그림 속 유명 인사들과 그들의 패션에 초점을 맞춘 글들이다. 코코 샤넬, 잔느 랑뱅, 마거릿 대처 등 우리가 익히 알고 있는 이들에게 패션은 어떤 의미였는지, 그림 속에서 그들의 패션은 어떻게 나타나는지 살펴본다.

2장 ‘시대를 움직인 패션’은 한 시대를 풍미했던 패션 트렌드들을 다룬다. 일본의 기모노, 터키풍과 중국풍 패션이 유럽 패션에 어떻게 받아들여지고 변용되었는지, 또 아동복과 로맨틱 & 심플리시티라는 테마는 역사 속에서 어떻게 변해왔는지 등 큰 흐름도 짚어본다.

3장은 패션의 가장 큰 역할 중 하나라 할 ‘유혹’에 관한 장이다. ‘작업’을 위해서 반드시 배워야 했던 부채 언어, 무도회의 필수품 가면과 애교점, 로코코 시대 여인들의 꽃단장 기술 등 그림 속에 나타난 유혹의 진수를 보여준다.

4장은 패션 아이템을 하나하나 꼭 짚어 살펴보며, 각 시대에 어떤 의미가 있었는지 알아본다.

5장은 화가 한 사람 한 사람의 그림을 집중적으로 살펴보며, 그들의 그림 속에서 패션과 미술이 어떻게 접목되는지 조목조목 알아본다.

<b>미술로 읽는 패션 이야기</b><br/>숙제 때문에 가는 초등학생, 중학생이 아니더라도 언제부터인가 미술관에 가는 사람들이 늘기 시작했다. 이와 동시에 다양한 분야들이 그들만의 시각으로 미술에 다가가기 시작했다. 미술 속에서 문학, 철학, 역사, 영화, 의학을 찾아내고 이들의 눈으로 다시 미술을 살펴보는 책들이 쏟아져 나왔다. 이번에는 패션이다. 패션은 감춤과 드러냄으로 은밀한 욕망을 표현하기도 하고, 허위와 과장을 끄집어내기도 한다. 옷은 우리가 기대어 사는 일종의 은유이다. 삶을 이야기하되 옷의 관점에서 이야기하는 것, 패션의 작은 디테일이 그림 전체의 의미를 설명할 수도 있다는 점을 이 책은 증명한다.<br/><br/>누군가에게 패션은 가볍게 지나가는 유행일 뿐이고, 다른 누군가에게 패션은 어려운 용어가 난무하는 분야일 뿐이다. 하지만 코코 샤넬이 말했듯 패션에는 삶의 모든 것이 담겨 있다. 이런 패션 이야기를 쉽게 풀어쓰면서도(저자의 입담은 블로그 ‘김홍기의 문화의 제국 http://blog.daum.net/film-art’을 통해서도 알려져 있다.) 복식사와 미술사의 상식을 곁들어 깊이 있게 다룬 글은 화려한 색감의 그림들과 함께 조화로운 코디네이션을 이룬다. 또한 친절한 용어 설명과 패션 사진들은 패션과 미술을 입체적으로 이해하게 해준다.<br/><br/><b>창의적인 ‘패셔니스타’에게 권함</b><br/>패션은 돌고 돈다는 말을 한다. 한때는 촌스럽다고 했던 반듯하게 자른 앞머리, 일명 바가지 머리가 이제 다시 거리를 누비는 것만 봐도 그렇다. 이 책은 주로 빅토리아 시대(1837∼1901년)의 패션을 다루었다. 그림 속 여인들의 패션에는 이 시대에도 적용될 만한 패션 힌트들이 숨겨져 있다. 정교하게 수를 놓은 뮬, 모피로 만든 케이프, 목걸이 대신 이용했던 벨벳 리본, 팜므 파탈을 위한 검정색과 붉은색의 매치, 시선을 분산시키기 위한 화려한 모자 등 얼마든지 이 시대에도 변용하여 사용할 수 있는 아이디어가 그림 속에 살아 있다. 아마도 이것이 패션 디자이너들이 복식사를 공부하는 이유일 것이다. 패셔니스타라 자부하는 이들은 그림 여인들의 옷매무새와 포즈, 액세서리를 면밀히 검토해볼 것을 권한다, 그 여인들의 우아함을 넘어설 때까지.<br/><br/><b>구렁이 담 넘듯 넘어 다녔다, 서로의 땅을 ― 화가와 패션 디자이너들</b><br/>최근 루이비통에 기용되어 그 실력을 유감없이 발휘하고 있는 패션계의 거장 마크 제이콥스, 그는 아이디어가 고갈될 때마다 화랑과 현대미술 전시장을 찾는다. 그리고 좋은 작품들은 사들인다. 19세기 중엽에도 마크 제이콥스처럼 미술과 패션을 오가며 활동하던 이들이 있었다. 바로 라파엘 전파.<br/><br/>인공염료의 발명으로 인상주의 그림이 더욱 화사하게 빛나던 때, 라파엘 전파는 인위적인 아름다움에 반발하여 자연 복귀적인 태도를 취한다. 이들은 채식주의자였으며 연한 핑크빛, 황토색, 회색이 도는 초록색을 선호했다. 천연 식물성 염료를 이용하여 옷을 염색했고 그 옷을 입고 다녔다. 이들에게 의상은 단순한 장식품이 아니라 예술의 한 부분이었다. 이들은 유미주의 복식 운동을 전개했는데, 고풍스런 색채와 물 흐르듯 자연스런 실루엣, 힐이 없는 구두가 그 복식의 특징이었다. <br/><br/>결과적으로 이들의 복식 운동은 실패하지만, 짧은 기간 동안 소수의 여성들에게 크게 인기를 끌었다. 이 무렵 발행된 잡지 『실비아의 홈 저널』에는 라파엘 전파의 옷을 입은 한 여성의 인터뷰 기사가 나온다. 그 여성은 말한다. “나는 예쁘지 않다. 그러나 내 옆모습과 자세는 그리스 여신처럼 아름답다.”<br/>이 외에도 진정한 토털룩이란 무엇인지를 보여주는 앵그르의 그림들, 빅토리아 시대 파리지엔의 패션을 완벽하게 보여주는 있는 티소의 작품 속 주인공들은 명화 속 런웨이로 독자들을 초대한다.<br/><br/><b>미리 읽어보는 시스루 패션 탄생기</b><br/>그림 속 모델이 한 벌의 옷을 입고 서기까지 얼마나 많은 정치, 역사, 문화 이야기들 심지어 성감대의 변화까지 담고 있는지, 그 시시콜콜한 얘기들이 이 책 구석구석에서 기다리고 있다. 하늘하늘한 옷자락에 가슴 아래를 살짝 묶어주는 엠파이어 스타일 이야기를 먼저 꺼내 본다. <br/><br/>엠파이어 스타일이라 불리는 모슬린 드레스는 프랑스 혁명과 폼페이 발굴이 맞물리는 시기에 만들어진다. 순수하고 명쾌한 혁명정신과 폼페이에서 발견된 고대 그리스 로마 의상이 이 드레스에 영향을 미친다. 이 옷은 살이 다 비쳤고 몸 선이 자유롭게 드러났다. 이 당시 여성들 사이에서는 ‘누가 가장 최소한으로 입을 수 있는가’ 경쟁까지 일어났다. 잘 차려입는 것보다 ‘잘 벗는 것’이 미덕이 되어버린 셈이다. 사교모임에서는 여자들의 옷 무게를 재는 게임도 생겨났다. <br/><br/>문제는 이러한 단순한 모드의 유행이 프랑스 견직물에 치명적이었다는 것. 나폴레옹은 건축 및 군사 정복과 더불어 섬유산업의 발전에도 관심을 갖고 있었다. 그러니 이런 유행이 나폴레옹의 눈에 곱게 보일 리 만무했다. 살롱의 난롯불을 끄고 튈르리 궁전의 굴뚝을 막는 등 어마어마한 강경조치에도 상류층 여인들은 추위에 떨면서 모슬린 드레스를 고수했다. 이 결과 6만 명에 달하는 인플루엔자 환자들이 발생했다고 한다. 여성의 신체가 표현할 수 있는 최고의 매력을 발산하기 위해 속이 비치는 소재를 이용한 이 패션이 오늘날 시스루see-through 패션의 원조가 된다.

패션이란 옷 속에만 존재하는 것이 아니라 청명한 하늘과 거리, 우리들의 생각, 삶의 방식 모든 곳에 있다. - 패션 디자이너, 가브리엘 코코 샤넬

옷에 따라 사람들의 세계관도 변하고 사회적인 입장도 바뀐다. 우리가 옷을 입고 있는 것이 아니라 옷이 우리를 입고 있다. - 소설가, 버지니아 울프

의복은 인간을 장식하는 것이지 그것과 경쟁하기 위한 것이 아니다. 의복은 단순하고 우아하며 경제적으로 합당한 수준에서 자신에게 어울리면 되는 것이다. 옷의 아름다움은 자연스런 인간 신체를 왜곡하거나 감추지 않는 것에서 나온다. - 페미니스트의 대모, 메리 울스턴크래프트

의상에는 반드시 노스탤지어, 향수가 있어야 한다. 한 겨울에도 꿈꿀 수 있는 여름과 같은 환상이 바로 그것이다. - 패션 디자이너, 크리스티앙 디오르

패션의 유행은 민주주의를 촉진한다. - 사회학자, 질 리포베츠키

패션이란 찰나적 변화의 추구를 통해 인간으로 하여금 무질서로 규정되는 현대라는 시대에 가장 질서정연하게 적응하도록 돕는 메커니즘이다. - 사회학자, 허버트 블루머

여성 복식은 신체의 특정 부위를 선택적으로 드러내거나 감춤으로써 남성을 유혹해왔다. 이것은 ‘이동하는 성감대’의 역사이다. - 복식심리학자, 플뤼겔

패션은 드러냄과 신비로움을 조장하는 일종의 수사학이다. - 복식사가, 발레리 스틸

의복은 인간을 만들지 않는다, 인간의 이미지를 만들 뿐이다. - 역사학자, 앤 홀랜더

복장이란 원래 그 시대정신이 배어 있는 육체를 다시 그 시대정신 속에 집어넣는 거푸집과 같은 것이다. 그러므로 인간이 그 머릿속에서 새로운 아담과 이브를 만들려고 하는 시대에는 언제나 그 나름으로 이제까지와는 아주 다른 복장을 발명한다.
- 역사학자, 에두아르트 푹스