음악에는 성악과 기악이 있는데 우리에게 친근감을 주기로는 성악 쪽이 단연 빠르다. 그래서 가능하면 이해가 쉽고 빨리 좋아질 수 있는 음악부터 듣기 시작하면 음악과 가까워지는 데 지름길이 되지 않을까 한다. 그러므로 우선 오페라에 나오는 유명한 아리아들을 들어 보는 것이 바람직하다. 베르디의 오페라 ‘트라비아타’에 나오는 ‘축배의 노래’, ‘아, 그대였던가’, 푸치니의 ‘토스카’ 중에서 ‘별은 빛나건만’, ‘라보엠’의 ‘그대의 찬 손’, ‘나의 이름은 미미’ 등 수많은 아리아들을 귀담아듣고 그 멜로디가 귀에 익으면, 이번엔 오페라의 서곡과 전주곡 그리고 간주곡들을 들어 보면 좋을 것이다. --- p.10

쇼팽의 음악은 깊고 무거운 의미보다는 시적이고 감상적이라는 표현이 적합하다. 실제로 그의 음악은 굉장한 흥분이나 탄성보다는 고요히 우리의 마음속에 와 닿는, 그래서 우리의 마음을 쥐어짜는 듯한 감동을 준다. --- p.15

고금을 통해 많은 피아니스트들이 리스트의 작품들을 즐겨 연주하지만, 1930년 러시아 태생으로 1970년대에 들어와 서방 세계에 그 이름이 알려지며 일약 세계 최고의 인기를 누리고 있는 라자르 베르만이 인기의 여세를 몰아 도이치 그라모폰에서 녹음 발매한 3매 1조로 된 ‘순례의 연보’ 전집 디스크는 보기 드문 귀한 명판이다. --- p.61

평생을 통해 6백여 곡을 남긴 모차르트는 하이든의 고전과 슈베르트의 낭만 사이에서 악성 베토벤의 탄생을 예고하고 있으며, 아름다움과 즐거움 그리고 한없이 우아하고 독특한 내음이 주류를 이루고 있다. 40여 곡을 헤아리는 교향곡 중에서 특히 39번부터 41번까지는 걸작인데, 41번 C장조는 ‘주피터’라는 부제로 더욱 유명하다. --- p. 100

바흐를 바로크의 마지막 대가로 보는 것은 시대적 개념에서 더 뚜렷한 의미가 있다. 만일 바흐를 1685년 태생이라고 생각하지 않는다면, 그리고 그냥 그의 음악만을 통해 그를 느끼려 한다면, 그는 보다 다양한 모습으로 우리 앞에 서게 될 것이며, 초기 이탈리아의 바로크 양식으로부터 고전 그리고 낭만에 이르기까지 변화된 내음을 터득할 수 있을 것이다. --- p.141)

푸치니의 작곡 태도는 대단히 어려운 과정을 거치고 있었다. 그는 우선 대본의 선택에 까다로웠고, 오케스트레이션의 과정에서도 악기 하나의 선택을 위해 며칠씩 소비하는 것이 보통이었다. 1920년 그의 나이도 이제 60을 넘기고 있었다. 이제는 돈도 많고 명성도 얻어 부러운 것이 없었지만, 그는 무언가 자신의 일생을 마감하는 거작을 만들어 내야겠다는 강한 집념 속에 최후의 작품 ‘투란도트’를 작곡하기 시작했다. --- p.178

라벨이 처음으로 드뷔시와 접할 수 있었던 것은 그의 나이 28세가 되어서였다. 그는 드뷔시의 ‘펠레아스와 메리상드’를 듣고 크게 감동했으며, 그 후에는 드뷔시가 자주 사용하던 9도 화음, 혹은 11도 화음을 즐겨 씀으로써 드뷔시의 후계자라는 평도 듣게 되었다. 그러나 상징적 혹은 인상적 내음이 짙은 드뷔시는 음의 색채감을 중요시 여기며 몽상적이고도 전체적인 윤곽을 뿌옇게 흐려 놓은 데 비해, 라벨은 명확한 리듬과 질서 속에서 분명한 형태를 취했다. 따라서 언뜻 비슷한 것처럼 느껴지긴 해도 근본적인 심미관에 차이를 두고 있는 것이다. --- p.203

베버의 음악적 특성은 고고한 낭만을 통해 흘러나오는 깨끗한 서정성이라 하겠다. 음악 예술을 통한 또 다른 즐거움을 우리는 베버를 통해 느낄 수 있다. ‘마탄의 사수’를 작곡하기 위해 태어났다고 피츠너가 말했듯이, 그는 ‘마탄의 사수’ 작곡에 너무 많은 생명의 진을 소진했던 것 같다. 그의 인기는 날로 높아지고 여러 나라에서 새로운 작품을 요구해 왔지만, 이미 그의 몸은 지칠 대로 지쳐 있었다. 결국 마지막 오페라 ‘오베론’을 탈고한 채 1826년 6월 5일 40세의 젊은 나이에 눈을 감고 말았다. --- p.241

우리 고유음악에 대한 깊은 이해와 우수성을 널리 전파하고 누구보다도 먼저 우리의 민요를 채보하는 데 앞장선 민족의 음악가 채동선 선생, 그는 이미 타계했지만 “그리워 그리워 찾아와도”로 이어지는 불멸의 가곡 ‘그리워’를 통해 살아 있는 민족혼은 지금도 우리의 마음속에서 굽이치고 있다. 일제의 압박 속에서도 언제나 한복에 두루마기를 입고, 모든 관직을 마다한 채 초야에 묻혀 오직 예술만을 벗하며, 예술에 온통 마음과 몸을 불살라 버린 채동선 선생.

지식이 아닌 정서를 위하여 당신 안의 선율을 깨워라<br/>머리가 아닌 마음을 배불리는 지식<br/><br/>정서란 느끼는 것이지 배우는 것이 아니다. 그런데도 우리는 어릴 때부터 사물에 대한 고정 관념을 힘들게 배우느라 자기만의 느낌을 배제당해 왔다. 꽃을 보고 아름답다고 느끼기도 전에 ‘꽃은 아름답다’라고 배운 대로 말하도록 억압당해온 것이다. 음악에 대해서도 마찬가지였다. 막연히 클래식 음악은 어려운 것이고, 무언가 심오한 것을 담고 있으며, 따라서 아무나 이해할 수 없는 것이라는 선입견 때문에 선뜻 다가가지 못한다. 귀로 듣고 느끼는 것이 음악의 본질인데, 감각이 전해주는 아름다움을 느끼기도 전에 음악에 대해 ‘배우기’를 강요당해왔기 때문이다. 음악은 느낌을 통해 우리의 감정을 순화하고 고양시키는 것이다. 설령 작품이나 작곡가에 대한 지식이 없어도 음악을 듣고 감정의 변화를 체험한다면, 그는 정서적인 인간이요, 좋은 음악 감상자가 될 수 있다. 그러므로 클래식 음악과 가까워지려면 자꾸 들어야 한다. 그러다 보면 어느새 음악의 숲 깊숙이 발 들여놓은 자신을 발견하게 될 것이다. 클래식음악에 선뜻 손이 가지 않는다면 여기 좋은 안내자가 있다. 세월은 흘렀지만 평생을 클래식음악에 대한 애정으로 살았던 저자의 마음은 이 책 속에 생생히 살아 숨 쉬고 있다. 이제 한국 클래식음악의 대가인 저자의 뒤를 따라 클래식음악의 숲을 산책해보자.<br/><br/>음악평론가 한상우에 대한 기억들<br/>-'음악춘추' 2012년 3월호 기획대담 발췌 요약<br/><br/>한 번은 제가 필요한 LP판이 있어 충무로 레코드점에 들렀습니다. 주인에게 찾고자 하는 LP판을 부탁하고 기다리고 있는데, 찾는 것마다 족족 한상우 선생이 구입해 가서 재고가 없다는 것이었습니다. 아마 한상우 선생만큼 고전음악을 많이 들은 사람도 없을 것입니다.<br/>-백병동(작곡가, 서울대 음대 명예교수)<br/><br/>한 번은 한상우 선생님을 뵙고, “선생님! 해설 잘 들었습니다.”라고 인사말을 건네자 선생님께서 “어떤 해설을 들었는가? 어떻게 들었는가?”에 대해 물으셨지요. 그래서 그 다음부터는 선생님을 뵈었을 때, 이 같은 인사를 건네지 못했습니다.<br/>-이만방(작곡가, 前 (사)한국작곡과협회 이사장)<br/><br/>저도 방송국에 몸담으면서 음악방송을 했었지만 한상우 선생만큼 많은 팬을 거느린 진행자를 보지 못했고, 음악 전공자들뿐만 아니라 일반 대중들에게도 큰 인기를 얻었습니다. 선생의 레코드 컬렉션 또한 대단했는데, 아마 우리나라 음악가들 중에 그렇게 많은 LP판을 소장한 사람이 별로 없지 않나 생각합니다.<br/>-이상만(음악평론가, 국제델픽위원회 명예위원)<br/><br/>선생님께서는 늘 학생들에게 의욕과 성취욕을 불러일으켜 주고, 장점을 발견해 주시는 점이 있던 반면, 평론가와 지휘자는 단원들이나 전문음악인들과는 친밀해지면 안 된다는 명확한 선을 긋고 계셨어요. 한 마디로 평론가와 지휘자는 외로운 길을 걸어야만 참다운 지휘자로서의 역할과 평론가로서의 소임을 다할 수 있다는 신념이 확고하셨지요.<br/>-김재은(앙상블 예무스 단장, 서울예고 교사)