저자 서문

한국인의 대부분은 뿌리 깊은 역사와 전통이 깃든 수많은 문화유산들을 뒤로 한 채, 서양의 전통문화와 디자인의 관계에 대해서만 관심이 집중되어 있다. 이러한 현상은 비단 우리나라만의 문제는 아닐 것이다.

디자인의 선진국으로 알려져 있는 독일, 미국, 일본, 이탈리아, 프랑스, 스칸디나비아반도 국가들의 디자인은 그 나라의 고유한 이미지를 표현하고 있으며, 그 나라의 이미지라 함은 결국 역사와 문화가 반영되어 온 산물이자 그것이 바로 디자인의 국가 정체성이다. 한류 열풍으로 대한민국의 경제적, 문화적 역량이 선진국의 반열에 오를 정도로 성장한 지금, 한국의 디자인 정체성은 여전히 부재한 채로 남아있다. 한국의 국가 정체성이 반영된 경쟁력 있는 디자인을 위해, 지금까지 잊고 있던 또는 생각지 못했던 우리의 문화적 요소에 대한 관심과 노력이 필요한 시점이다.

본서는 한국의 아름다운 문화적 요소를 디자인 교육에 활용할 수 있는 방안에 대한 고민에서 출발하였으며, 한국 전통 문화유산의 아름다움과 그것이 현대 디자인과 어떻게 연결될 수 있는지에 대한 실천적인 방안을 제공하는 것을 목표로 한다. 요즘 학습자들이 우리의 문화유산을 접할 기회가 많지 않다는 점을 고려하여, 본서에서는 디자인의 기초 수업에서 학습자들이 쉽게 전통문화에 대한 지식을 습득하고 전통 문양과 조형디자인을 연결하여 실습할 수 있는 커리큘럼을 제시한다. 수업 커리큘럼에는 디자인 기초를 배우는 학습자들에게 한국의 아름다운 전통 유물과 문양을 어떻게 하면 좀 더 쉽게 현대 디자인과 연결할 수 있을지에 대한 고민과 노력이 담겨있다.

본서의 구성은 디자인 요소의 기본에서 시작하여 전통 문화의 현대적 재해석으로 이어지는 방향성을 가지고 구성되었다. 본서는 15주 수업 커리큘럼에 적합하도록 구성되었으며, 크게 세 Part로 구분된다.

첫 번째 Part에서는 전통 문양과 유물을 디자인의 기본 요소인 점, 선, 면, 질감으로 표현하는 데에 중점을 두어 학습자가 어렵지 않게 습득할 수 있도록 하였다. 두 번째 Part에서는 색채와 패턴을 다루며, 이론을 체계적이고 효율적으로 적용하여 전통 문양을 현대적인 디자인의 아름다운 결과물로 창출하는 과정을 실습하도록 하였다. 마지막 세 번째 Part에서는 전통 문화유산을 창의적으로 재해석하는 시간을 가지며, Part 1과 Part 2에서 배운 내용을 바탕으로 여러 가지 입체물을 제작하도록 하였다. 이러한 접근방식은 전통 문양을 단순히 재현하는 것이 아니라, 그것을 현대 디자인의 언어로 해석하고 적용하는 방법을 경험하면서 향후 디자인 프로젝트에 새로운 영감을 불어넣을 것이다.

우리의 정체성이 담긴 미래의 디자인을 고민하는 과정에서 교육자와 학습자 모두에게 가치 있는 시간이 되길 바라는 마음으로 본서를 출간한다. 한국의 디자인에 대한 정체성을 다져가는 과정에 있어, 디자인을 가르치는 교강사분들과 디자인 학습자들에게 본서가 귀중한 자료로 활용되길 진심으로 바라며, 본서를 통해 디자인 학습자들이 한국의 전통 문화와 현대 디자인의 연결고리 안에서 우리 것에 대한 새로운 인사이트를 얻길 희망한다.