품목정보
발행일	2002년 09월 30일
쪽수, 무게, 크기	335쪽 \| 783g \| 17524530mm
ISBN13	9788986361704
ISBN10	8986361701

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서울대학교 인문대학 고고미술사학과 졸업. 미국 콜럼비아 대학교에서 서양미술사 석사, 철학 석사, 미술사 박사 학위 취득. 뉴욕 헌터 칼리지(Hunter College)에서 서양미술사 강의. 현재 삼성 아트 앤 디자인 인스티튜트(Samsung Art & Design Institute: SADI) 교수이다.

저서 『아방가르드란 무엇인가』가 있으며, 논문으로는 「피카소 콜라주와 기호학; 새로운 해석의 가능성과 비판」, 「뒤샹의 “Tu m'"; 그림자의 기초학적 가능성」, 「추상표현주의와 후기식민주의 이론의 비판적 고찰; 모더니즘의 후기식민주의적 실천」, 「<그로스 박사의 클리닉>; 미술과 식민주의에 관한 소고」 외 다수가 있다.

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그러나 단순한 표현의 기술보다 더욱 관객을 자극한 것은 이 그림의 주제이다. 비평가들이 지적했듯이 그림의 주인공은 창녀이다. 올랭피아는 당시 창녀들 사이에서 유행하던 이름의 하나였다. 머리에 큼 꽃을 꽂고 손으로 음부를 가린 모습에다 꽃다발을 들고 발치에 선 하녀까지 이 작품은 창녀의 방을 그대로 옮긴 것이다. 당시 제작된 대부분의 누드는 모두 여신이나 요정들이었고, 문학적배경이 있는 가상의 인물이었다. 그들은 모두 누드로 표현될 명분도, 그 속에서 아름답게 나타내어질 이유도 있었으며, 관객들에게 가상의 즐거움을 제공하는데 초점이 맞추어져 있었다. 그러나 아무도 누드의 창녀를 보기를 원하지는 않았다. 이처럼 대담한 창녀의 못브을 보게 된 사람들은 상상의 공간과 이야기를 빼앗아간 너무나 사실적인 표현에 어리둥절할 뿐이었다.
우리는 평평하고 연결이 부드럽지 못한 올랭피아의 몸에서 눈을 뗄 수 없는데, 그녀의 신체는 바로 올랭피아로 대표되는 창녀들 계극과 그들의 존재의 표현이기 때문이다. 무엇보다도 당시 상당수의 창녀가 파리에 있었고 그들의 모습이 도시 풍경의 한 부분이 되었지만, 이러한 내용이 순수미술의 영역까지 침투하게 되리라고 일반인들은 기대하지 않았다. 많은 관객들은 미술의 주제로 등장한 특정 직업의 여성을 받아들이기 어려웠던 것이다.
그러나 현실에서 누드가 가장 잘 어울리는 적절한 대상은 바로 창녀였다. 관객들은 여전히 허구적으로 설정된 배경 안에서의 누드만을 기대했고, 무엇보다도 창녀라는 부류의 존재를 공식적으로 인정하려 하지 않았다. 결국 올랭피아의 벗은 몸은 그녀의 사회적 위치를 알려주는 기호가 되고, 나아가 1860년대 파리에 존재하던 창녀의 계급적 이치를 드러내기에 파리 시민들에게 불쾌감을 불러일으킨 것이다. 평면적인 몸매와 퇴락한 색조의 피부, 이국적이지만 유치해 보이는 침대와 이부자리, 우스꽝스러운 목걸이와 슬리퍼, 좁은 공간의 배경과 화면 안의 기타 소품들이 관객에게 그녀의 직업과 계급에 대한 피할 수 없는 인상을 준다. 결국 올랭피아의 몸은 부르주아들에게는 알고싶지 않은 계층의 기호였던 것이다.

pp.160~161

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샤를 드 골 공항에서 루아시 버스를 타고 한 시간 남짓 가면 다다르는 파리의 한 중심가. 이른바 ‘오페라 구역’이라고도 하는 이곳의 번화한 거리들 가운데 ‘오페라거리(Avenue de l'Opera, 1876년 완공)’가 있다. 지금도 한껏 그 위용을 뽐내고 있는 파리 가르니에 오페라극장 앞에서 르와얄 궁전과 루브르박물관 일대로 이어지는 거리. 오늘날엔 관광과 고급 상점들의 본거지로 바뀌고 말았지만, 1860～70년대에 오스만(Hausmamn) 남작의 주도하에 이루어진 파리 재개발 사업(이 책 146쪽 참고)의 얼굴이기도 한 곳이다. 계몽주의 시대, 혁명기와 나폴레옹 시대를 거친 파리는 그에 의해 ‘새로운 거리’로 탈바꿈하는 대변혁기를 거치면서 유럽에서 가장 거대한 도시로 발돋움했으며, ‘모더니티’의 상징적 공간이 된 것이다. ‘카페 문화’로도 대변되는 이 시기의 화가 · 음악가 · 문필가들에게 이들 공간이 갖는 의미는 이미 우리에게도 익히 잘 알려져 있거니와, 시민사회가 형성해간 많은 새로운 공간들은 당대의 화가들이 이전과는 전혀 다른 캔버스의 세계를 열어가는 토대가 되었다. 열린 공간의 화가들 - ‘보는 것’과 ‘그리는 것’의 변화 이 책은 바로 이러한 시기를 배경으로 한 19세기 프랑스회화의 흐름을 중점적으로 다루었다. 하지만 저자의 의도는 주요 작가와 작품의 소개에 있는 것이 아니라, 이들 작품들을 통해 나타난 작가들의 보는 방식과 표현하는 방식이 어떻게 달라졌으며, 화면에 담긴 내용(주제)과 더불어 회화가 갖는 존재론적 의미가 어떻게 달라져갔는지를 추적하는 것이다. 이 책의 1장과 후기의 제목에 포함된 ‘모더니티’, ‘모더니즘’은 바로 그러한 논의의 키워드 구실을 한다고도 할 수 있다. 모더니티나 모더니즘의 실체는 학자들 간에도 끝없는 논란의 대상이 되고 있지만, 서양 회화사에서 이 용어의 근간을 이루는 것은 기법과 주제 및 소재의 측면으로 집약해볼 수 있다. 원근법적 공간과 재현(再現)이라는 두 요소가 더 이상 의미를 갖지 않게 된 것과, 신화적 · 영웅적 · 이상적 세계에서 지극히 일상적인 세계로 주제의 범위가 달라진 것이 그것이다. 이런 변화 속에 회화는 회화로서의 자율성과 독자성을 찾아가게 되며, 회화사에 있어서의 커다란 지각 변동이라 할 이 시기야말로 파리의 대변혁기와 흐름을 같이 한다. 이 책의 2, 3장과 4장의 전반부는 바로 이 시기에 이르는 도입부의 구실을 한다. 혁명기를 전후한 부르주아들의 정체성과 정치성을 대표하는 것으로 여겨졌던 신고전주의, 폭넓고 분방해진 주제의식과 표현방식을 보여주는 낭만주의를 거쳐 사실주의에 이르면 주제 · 시각 · 기법에서 근본적으로 회화의 성격과 방향이 바뀌게 된다. 일상적 · 세속적 주제(와 소재)를 객관적 관찰자나 비판적인 입장에서 표현해보는 한편, 회화에서의 평면성의 추구가 점차 두드러져가는 것이다. 사실주의의 대표적 작가로 알려진 도미에, 쿠르베보다 저자가 마네에게 더 많은 비중을 두고 있는 것도 바로 이런 맥락에서이다. 왜 마네가 ‘모던 도시의 목격자’, ‘모더니즘의 선구자’로 자리매김되는지를 우리는 명확히 이해할 수 있고, 나아가 사실주의가 이후의 프랑스 미술은 물론 아방가르드 미술의 선구가 되는 단서를 발견할 수 있다. 인상주의와 신/후기 인상주의의 화가들은 ‘평면성’과 ‘다양한 주제’로 변신해가는 회화가 기법적으로 새로운 전기를 맞이하며, 개성과 변화가 더욱 확대되어간 자취를 보여준다. 이 항목에서 특히 눈여겨보아야 할 부분은 인상파 여성 작가들에 관한 언급이다. 저자는 미국의 미술사학자 노클린(L. Nochlin)의 논의를 바탕으로, 서양회화사에서 ‘여성 화가’의 위상을 통해 여성 일반에 대한 오랜 편견과 인습의 실상과 허상을 파헤친다. 모리조와 카사트의 작품을 중심으로, 인상파 회화의 흐름과 ‘비슷하면서 확연히 다른’ 이들의 눈에 비친 당대 사회의 실상을 엿보는 것도 빠뜨려선 안 되는 점이다. 왜 19세기인가 이 책의 일관된 흐름은 - 소박하게 말하면 - 작가들의 ‘보는 방식과 표현하는 방식’이 19세기라는 특정 시기에 달라져간 원인과 경과, 결과와 후대에 미친 영향을 ‘시민사회와 모더니티의 형성과정’이란 맥락에서 짚어본 것이다. 학자들은 BC 5세기 이래 2300여 년간 서양인들의 미의식의 근간을 이루어온 ‘미=비례 · 조화 · 질서’라는 등식이 깨져간 것이 일반적으로 18세기 이후라고 한다. 회화에서 이 오랜 불문율의 벽에 금이 가기 시작한 것이 이 무렵이라면, 그 벽이 마침내 붕괴해버린 19세기(특히 후반) 미술은 분류?체계화조차 버겁게 복잡다기한 양상을 보이는 현대미술의 풍부한 토양을 이루었다고 할 수 있다. 계몽주의 · 시민사회 · 자본주의 · 산업화 · 계층의 분화 등 모더니즘을 이루는 주요 요소들이 작품 안에서 어떻게 구체화되어가고, 이를 통한 미술사적 논의가 어떻게 변해갔는가, 그것은 저자가 19세기 미술을 통해 풀고자 한 과제의 핵심이며 ‘20세기 이후의 미술이 19세기에 진 빚’의 실체를 이해하는 열쇠가 되기 때문이다. 그 과정에서 새롭게 부각될 해석의 여지 또한 저자는 남겨놓고 있다.

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