이 책은 말 그대로 전통예술의 미래를 사고하는 이론적, 실천적 글쓰기이다. 한국의 대표적인 문화연구자 중의 한 사람인 저자는 2005년부터 전통예술원에 재직하면서 전통예술의 미래를 위해 새로운 연구방법론과 창의적인 교육모델, 혁신적인 문화정책이 필요하다는 것을 인식하고 관련된 분야의 연구를 병행하면서 이 책을 쓰게 되었다. 말하자면 전통예술 계의 내부에 있으면서도 저자의 문화연구의 오랜 연구 경험으로 인해 전통예술의 정체성을 새로운 시각으로 바라볼 수 있는 장점이 이 책을 쓰는 동력이 되었다.

1부에서는 주로 전통예술의 미래를 위한 새로운 패러다임을 설계하고 사고하는 내용들로 구성되어 있다. 전통예술의 이론적 토대가 되는 한국예술학의 새로운 패러다임을 찾기 위해 문화연구의 방법론을 적용해보고, 전통예술의 공연활성화를 위해 어떤 지원의 철학과 방법이 필요한지를 모색해보는 것은 가장 기본적인 문제의식이다. 또한 전통예술의 장기적인 발전을 위해 전문 프로덕션은 어떻게 설계하는 것이 바람직하며, 이를 위해 대학의 교육과정은 어떻게 변모를 하는 것이 좋을지를 제안하는 글과 한편으로 전통예술의 관객개발을 위해 대중들을 위한 전통예술교육의 장을 활성화하는 글은 그러한 패러다임을 구체적으로 현장에 실천하려는 취지를 담고 있다.

2부에 실린 글은 현재 활발하게 이루어지고 있는 전통예술 창작과 공연양식의 사례들을 분석했다. 특히 최근에 전통예술 공연양식에서 많이 적용되고 있는 테크놀로지 수용이 어떤 공연사적인 의미를 갖는지를 꼼꼼하게 분석했고, 주로 2000년 이후에 발매된 음반들의 리뷰를 중심으로 한국음악의 달라진 지평을 조망해보고자 했고, 현대적 창극과 국악 뮤지컬 등 전통 극예술 공연들의 현재적 수준들을 가늠하는 리뷰도 추가했다. 이밖에 사물놀이 공연양식의 현대화와 동아시아 시대 아시아 가면극의 번역과정에 대한 글을 통해서 전통연희 공연의 역사적 궤적을 검토하고자 했다.