19세기에 출간된 이후 디자인 분야의 클래식으로 자리 잡은
오웬 존스의 ‘세계 문양의 역사The Grammar of Ornament’ 한국어판 출간!

책임 편집 및 번역 이가은

몇 해 전 그라나다의 알람브라궁전을 둘러볼 기회가 있었다. 유서 깊은 대성당이나 교회 같은 기독교 건축물에는 그래도 익숙해 있었으나 이슬람 양식으로 지어진 건축물을 실제로 보고 몸으로 느끼는 것은 알람브라 궁전이 처음이었다.
도시가 내려다보이는 언덕 위 넓은 부지 이곳저곳에 세워진 궁전의 건물들은 빼곡하게 들어찬 낯선 문양으로 외벽과 내벽이 가득 채워져 있고 중간 중간 마치 문양처럼 삽입된 아라비아어 명문들까지 모두 유기적인 이미지로 느껴졌다.
‘와, 정말 장식적인걸!’ ‘대단한 형상미, 표현성이야!’
정교하고 세련된 장식에 채색 타일의 환상적인 색 배열이 끊임없이 이어져 엄청나게 복잡한 것 같으면서도 일정한 규칙을 느낄 수 있어 바라보는 이를 피곤하게 만들거나 부담스럽게 하지 않았다. 잘 모르겠으나 어쨌든 너무나 아름답던, 웅장함과 섬세함, 정교함이 건축물 전체에서 통일감을 이룬 알람브라궁전의 비밀을 이 책 『세계 문양의 역사』를 통해 이제 알게 되었다!
알람브라궁전을 지은 무어인들은 기본적으로 ‘자연’에 근거한 형태의 문양을 도입했음을, 이렇게 자연에서 감지해낼 수 있는 법칙들을 건축과 문양에 적용하여 발전시켰을 때 예술은 그 완성도에 있어서 최고 수준에 도달할 수 있음을, 형태뿐 아니라 색채 배열에도 기본 원칙이 존재하며 전체 건물과 장식, 장식과 장식은 균형과 대칭, 적절한 대조 등으로 조화롭게 구성되었음을 알 수 있었다. 또한 예술의 역사에서 최고 경지에 다다른 대표적 예술인 고대 이집트의 장식과 비교했을 때 한 가지 부족한 점인 장식의 ‘상징성’을 바로 꼬불거리는 그림처럼 보이는 명문이, 그 문학성과 그것이 전하는 메시지로 전체 건축물의 아름다움을 배가시키며 훌륭하게 보충하는 것임을 알았다. 19세기에 활동한 정력적인 건축가이며 디자이너인 오웬 존스Owen Jones 1809-74의 『세계 문양의 역사』를 통해서 말이다!

“장식미술의 다양한 측면을 모두 설명하고 하나로 정리하는 일을 한 사람이 감당하기는 너무 벅차다. 국가적 차원에서 주관한다고 해도 일목요연하게 정리하기에는 정보의 양이 너무 많다.”

오웬 존스의 서문 시작 글이다. 그는 그럼에도 당시 영국 건축과 디자인의 수준에 개탄하며 그 감당 안 되는 일을 시작했다. 오랜 시간과 노력을 들이고 물려받은 재산을 연구에 기꺼이 투자하여 유럽 대륙은 물론 먼 태평양 섬나라 원시부족의 문양에서부터 고대 이집트, 중국, 인도, 아라비아 등 거의 전 세계를 대표하는 훌륭한 작품들을 찾아다니고 그에 대한 방대한 자료들을 수집했다. 그의 지칠 줄 모르는 ‘열정’과 영국 디자인을 최고가 되게 하고 싶다는 ‘의무감’과 ‘열망’이 만들어낸 역작 『세계 문양의 역사The Grammar of Ornament』는 1856년 출간 되자마자 엄청난 파급 효과를 낳았고 윌리엄 모리스와 프랭크 로이드 라이트 같은 현대 건축과 디자인의 선구자들에게 많은 영감을 주었다.


1. 다양한 문화권을 포괄하며 역사적으로 조망하여 디자인의 일반 원칙을 도출해낸다

원시부족의 문양에서 장식의 초기 형태를 살펴보는 것을 시작으로 오웬 존스는 순수하며 더없이 완벽했던 고대 이집트, 이집트 장식의 모방 이상으로 나아가지 못한 아시리아와 페르시아, 우아하며 완성된 형태미를 자랑하는 고대 그리스와 그것을 모방한 로마 장식의 발전과 퇴보를 다룬다. 이어 아라비아, 터키, 무어 문양을 통해 이슬람 문화권의 차별화된 장식을 조망하고 인도와 중국으로 대표되는 아시아의 문양도 살짝 살핀다. 그리고 중세, 르네상스, 18세기 엘리자베스 시대 영국의 문양들을 차례로 다루며 모든 형식의 장식미술에서 드러나는 아름다움의 다양한 표현들을 정리하고 있다. 여기서 다루어지는 문양과 디자인의 대부분은 건축물과 그에 종속된 것이지만, 그 외에도 직물, 자수, 태피스트리, 카펫, 타이포그래피, 유리 공예, 자기 등에 나타난 문양들도 소홀히 여기지 않는다. 그는 과거 역사 속에서 디자인의 고유한 형식이 어떻게 만들어졌는지에 대한 역사적 고찰 없이 단순히 그 형태만을 모방하는 것을 강하게 비판하며, 결국 참신한 영감을 얻기 위해서는 우리의 근원인 자연으로 돌아가 과거로부터 얻은 지식을 바탕으로 더 새로운 지식을 얻을 때 장식미술이 최고로 발전할 수 있다는 점을 주장한다.
이러한 역사적 통찰을 거치며 각각의 문화를 면밀히 분석하는 과정에서 존스는 다음의 세 가지 보편적인 디자인 원칙을 정리했다.

첫째, 장식에서 어떤 양식이 훌륭하다고 생각되면 그 양식에는 자연에서 찾을 수 있는 형태를 적절하게 분산하고 조절하는 규칙과 조화로움이 들어 있다.

둘째, 표현하려는 바가 문양의 규칙과 조화를 이루면서 다양하게 변화되더라도 법칙을 이루는 기본 개념은 매우 단순하다.

셋째, 한 양식이 다른 양식으로 변화, 발전하는 것은 고정된 인습을 벗어던질 때 가능하다. 새로운 변화는 처음에는 한동안 기존의 사고방식을 벗어난다. 그리고 새로운 사상이 나타나 신선했던 생각은 구습이 되어버리고 다시 변모와 수정을 거치며 새로운 사고의 발전이 순환한다.

그러고 나서 건축과 장식미술에 적용되는 형태와 색 배열의 일반 원칙 서른일곱 개를 정리하여 건축과 장식 분야 종사자들에게 유용한 지침을 제공하고 있다. 이 세부 원칙은 다양한 문화권에서 보편적으로 적용될 수 있는 것이며, 함께 수록된 화려한 일러스트레이션과 더불어 장식 모티프를 만들 때 현실적으로 큰 도움이 되는 사항이어서 책이 출간되자마자 건축가와 디자이너들 사이에 널리 회자되며 반향을 불러일으키는 역할을 했다.

2. 2,350개 오리지널 석판화 일러스트레이션 수록

오웬 존스는 청년 시절부터 건축에 관심을 두고 건축가로서의 꿈을 키우며 꾸준한 연구를 계속했다. 다양한 문화권의 많은 건축물들을 직접 살피러 프랑스와 이탈리아, 그리스, 이집트, 터키, 에스파냐 등으로 여행을 떠나 건축물과 그 장식을 직접 보며 연구하고 스케치해왔다. 이렇게 수집한 자료에 더해 건축과 장식 관련 전문가들의 훌륭한 문헌과 자료들을 참고하여 무려 2,350여 개의 일러스트레이션을 책 속에 정리해두었다.
이들 문양을 세심하게 잘 살펴보면 수천 년 전 이집트의 문양이든 바로 몇 세기 전 이탈리아나 영국의 문양이든 아주 낯설게 여겨지지만은 않을 것이다. 이들은 바로 현대의 건축물과 그 장식에서, 혹은 소위 명품으로 분류되는 디자인의 로고나 엠블럼, 문양 등에서 흔하게 볼 수 있는 장식의 원류들이기 때문이다. 결국 우리 주위의 모든 디자인과 장식은 고대부터 이어져 내려오며 발전한 형태들이 반복되고 변형되어 만들어진 것이라고 할 수 있다.

“수록한 자료의 중요성은 차치하고 대중적 평가라는 점에서 수집 자료는 완벽하지 못하다. 같은 분야의 예술가들이 볼 때도 자료가 더 보충되었으면 하는 아쉬움을 느낄 것이다. 그러나 책에 나오는 각 양식을 하나의 기준으로 적절히 활용하고 나아가 양식들을 서로 비교 정리하여 학생들에게 도움을 주려 했던 애초의 내 의도는 이루어졌다고 생각한다.”

존스는 수록 자료들이 완벽하지 못하다고 고백하고 있지만, 카메라 같은 현대적인 복제 도구가 실용화되지 않은 시절에, 문양과 장식 하나하나를 손으로 베껴 와서 석판화, 목판화로 제작하여 이 두툼한 책을 엮은 저자의 노고를 상상해보자. 게다가 그는 문양들을 있는 그대로 사실적으로 재현한 것은 물론, 예전에는 색으로 가득 찼으나 오랜 세월이 지나며 색이 바래 희미해졌거나 원래의 색과는 전혀 상관없는 덧칠이 되어 있는 장식들의 경우 색 배열 원칙에 따라서 애초의 색을 되살려놓는 시도를 하여 이해를 도왔다. 그 지난한 과정에서 여러 사람의 도움을 받아야만 한 것은 당연한 일이겠지만, 건축가이자 디자이너로서 오웬 존스의 열정과 책임감이 없었더라면 이 훌륭한 한 권의 책은 결코 완성될 수 없었을 것이다. 국가적 차원에서도 쉽사리 해낼 수 없는 일을 한 개인의 끊임없는 노력이 이루어낸 것이다.
그러나 1세기도 더 전에, 당시로서는 한 단계 진보된 기술이었던 다색 석판화를 이용한 일러스트레이션을 그때보다 훨씬 진화하고 발전된 인쇄 기술로 되살려내는 것은 쉽지 않은 일이었다. 오웬 존스와 그의 동료들이 석판화로 인쇄한 도판들은 세월이 지나며 누렇게 변색되었고, 복제에 복제를 거듭하여 우리 손에 들어오기까지 원본의 느낌은 퇴색하고 변형될 수밖에 없었을 것이다. 또한 빠른 시간 안에 대량으로 인쇄물을 뽑아내는 현대식 기술이 세밀한 주의와 정성을 기울여 찍어낸 19세기 인쇄물에 비해 열등한 결과물을 내놓을 수 있음도 사실이다.


3. 일반 독자를 위한 인문 교양서로서도 훌륭한 콘텐츠

『세계 문양의 역사』는 건축과 장식 디자인 관련 종사자를 위한 실용적인 지침서로서는 물론 일반 독자들을 만족시키는 인문서로서도 매우 훌륭하다. 정통 미술사-예술 분야를 굳이 메이저와 마이너로 구분하던 얼마 전 취급법대로라면 메이저 미술사-에서 화려한 조명을 받던 회화와 조각이 아닌, 부수적이고 그 중요성을 인정받지 못하던, 나아가 ‘예술적인 작품’의 범주 안에 넣어주지 않던 장식과 문양을 중점적으로 다루며 디자인에도 회화나 조각 전통 못지않은 유구한 전통과 발전이 인류 역사와 줄곧 함께해왔음을 알려준다. 사실 회화, 조각과 함께 건축은 메이저 미술사에서 중요한 한 분야로 다루어지는데, 잘 생각해보면 건축물은 어떤 공간을 형성하는 지지대와 그것을 덮는 지붕이라는 기본 골격 형태만으로는 충분하지 않다. 건축물을 건축물답게 꾸며주고 다른 건축물과의 차별성을 강조하며 각각의 개성을 드러내는 부분인 장식이 얹어져야지만 비로소 완성되는 것이다. 이 책에서는 이탈리아 르네상스의 천재 예술가 미켈란젤로와 라파엘로에 대해서도 ‘장식가’로서의 그들의 역할과 의미를 다루어 기존의 미술사가 간과한 부분들의 가치를 되새겨준다.
한편 오웬 존스가 이 책을 쓰고 출간한 시대를 이해하는 것이 무엇보다 중요하다. 이는 존스가 이 책의 출간을 결심하게 된 것과도 관련 있는데, 그가 활발하게 활동하던 시기는 대영제국의 최전성기인 빅토리아 시대(1837-1901)와 꼭 맞물려 있다. ‘해가지지 않는 나라’ 대영제국이 전 세계로 식민지를 넓히며 영향력을 확산시키던 바로 그 시기인 것이다. 그러므로 당연히 저자의 시선은 빅토리아 시대 대영제국주의자의 자부심과 오만함이 결합되어 있다. 존스는 그 누구도 감히 대항하지 못하던 대영제국의 세계를 장악하는 힘에 비해, 예술은 프랑스와 이탈리아가 주도하는 유럽 대륙의 예술에 한참 뒤떨어진, 개념 없이 대륙의 훌륭한 예술을 모방하며 반복 적용하고 있는 당시 영국의 예술, 특히 건축과 장식미술에 대해 질책하고 비판한다. 그래서 그는 영국만의 독특한 예술 전통을 찾아내서 확고히 하고자 노력하며-15장 켈트 문양, 16장 중세 문양, 18장 엘리자베스 시대 문양-다른 문화권의 훌륭한 예술 전통을 적극적으로 받아들여서 새롭고 참신한 예술로 진일보하기 위한 발판으로 삼으라고 끊임없이 영국 예술가들을 자극한다. 이렇게 유럽 대륙의 예술이나 세련된 이슬람 문화에 대해서는 열등감을 내비치는 존스는 아시아 미술에 대해서는 비중 있게 다루지도 않을뿐더러 매우 혹독하게 비판하며 가치절하 한다.

“영국에 유입되는 수많은 종류의 제조물품을 통해 익숙해진 중국의 장식을 보면 그들은 모든 민족이 문명의 초기 단계에서 거쳐 가는 어떤 수준을 넘어서지 못한 듯하다. 말하자면 그들의 예술은 고정된 채 발전도, 퇴보도 하지 않고 있다. 순수한 형태라는 개념에서 볼 때 중국인의 수준은 뉴질랜드인보다 훨씬 뒤처진다. (…) 전체적으로 중국의 장식은 그들의 특이한 민족성을 매우 충실하게 표현한다. 중국 장식의 주된 특징은 기이함이다. 그러나 이를 갑작스런 변화를 보이는 것이라고 말할 수는 없다. 그러한 변화는 활기찬 상상력이 주도하는 것이기 때문이다. 중국인은 전혀 상상력이 없으며, 따라서 그들의 모든 작품에는 예술이 지닌 최고의 우아함, 즉 이상이 결여되어 있다.”

위와 같은 중국 문양에 대한 비판이 대표적인데, 이는 19세기 제국주의자의 콧대 높은 시선이 그대로 반영된 것으로 볼 수 있다. 이러한 존스의 치우친 시각에 대해 미술사가 이언 자체크Iain Zaczek의 간략하면서도 명확한 해설이 훌륭하게 균형을 잡아준다. 일러스트레이션이 삽입된 부분 왼쪽 페이지에 기재된 자체크의 설명은 존스가 어떠한 시대 상황에 따른 맥락에서 본문을 서술하고 있는지를 이해시켜준다.

“중국 문화에 대해 존스가 비호의적으로 말한 것은 당시 정치적으로 취약한 중국의 상황에서 영향 받은 것으로 보인다. 중국은 광저우 항에서만 해외 무역을 허락하면서 오랫동안 고립정책을 고수했다. 이러한 상황은 아편전쟁(1839-42년, 1856-60년)에서 중국이 영국에 패배한 이후로 변했다. 홍콩은 1842년 난징조약으로 영국에 할양되었고 중국 정부는 어쩔 수 없이 영국 무역업자들에게 다섯 개 항구를 개항해야 했다. 게다가 통치세력인 청 왕조는 내부 반란이 끊임없이 이어지며 위협하자 서양 세력의 도움에 크게 의존하고 있었다.”

그러므로 『세계 문양의 역사』는 문양과 장식의 형식적인 발전과 변화를 살피며 기술적으로 적용할 수 있는 단순한 문양사전에 그치지 않고, 식민지 확산에 열을 올리던 당시 세계 최대강국 영국이 세계를 바라보고 이해하던 시선을 알 수 있는 인문서이기도 하다. 존스의 제국주의자의 시선을 의식하면서 책을 보면 그의 얕잡아보는 듯한 시각과 동시에 뒤처지고 세련되지 못한 영국 예술에 대한 열등감을 감지할 수 있어 책을 읽는 재미가 더해진다.


4. 우리의 건축과 장식, 디자인을 되돌아보자

저자의 시각이 다소 치우쳐 있는 것은 크게 상관할 바가 아니다. 19세기 제국주의자의 시선이라는 것을 미리 알고 적절하게 판단하며 보면 될 일이기 때문이다. 중요한 것은 장식의 전통을 파헤치고 알아내기 위해 꾸준히 탐구한 오웬 존스의 ‘열정’이다. 역사적 의미를 되새기며 각각의 문양을 완전히 숙지한 후 그것을 내 시대와 상황에 맞는 것으로 변형시켜 디자인을 발전시키자는 것, 그것이 바로 존스의 한결같은 주장이다. 이를 먼 시대, 멀리 떨어진 나라의 어떤 예술가의 다소 열의 있는 행동 정도로만 치부해서는 이 책의 가치를 알아보지 못하는 것이다.

“벽지, 양탄자, 더 흔하게는 의복의 문양에서 잘못된 점을 많이 발견하게 되는 이유는 바로 이 명확한 규칙이 지켜지지 않았기 때문이다. 벽지의 선은 대개 천장 너머까지 불유쾌하게 이어지는데, 왜냐하면 직선은 각진 선에 의해, 각진 선은 곡선에 의해 교정되지 않았기 때문이다. 카펫의 선은 시선을 오른쪽, 방 벽 너머로 이끌면서 항상 한 방향으로만 진행한다. 이 때문에 인간을 늘 흉하게 만드는 모든 혐오스러운 체크무늬와 격자무늬, 즉 대중의 취향에 해로우며 이 세대가 형태를 바라보는 안목을 점차적으로 저하시키는 의상에만 의존하고 있다. 아이들이 태어나 허디거디(hurdy-gurdy, 휴대용 풍금)의 끝없이 계속되는 불협화음에 익숙해져서 자라난다면, 아이들의 귀는 분명히 퇴보되어 괴로움을 겪을 것이고 아이들은 조화로운 소리를 듣는 감성을 잃게 될 것이다. 그러므로 이런 문제는 형태와 관련해서도 분명히 발생할 것이기 때문에 자라나는 세대의 복지에 대해 관심을 지닌 모든 사람들은 이러한 상황이 계속되지 않도록 열정적으로 노력해야 한다.”

이렇게 다음 세대까지 배려하며 열정과 진지함으로 건축과 장식을 대하는 건축가, 디자이너가 우리에게 있는지 둘러보는 계기가 되어야 한다. 혹은 스스로가 그러한 예술가인지 고민해야 한다. 당장 눈에 띄는, 주목을 끌려는 의도에서 전체적인 조화와 주변 환경과의 조화 등은 고려하지 않은 생뚱맞은 건축물과 장식들을 심심찮게 마주하게 되지 않는가. 우리의 옛 것, 다른 나라의 전통을 과연 제대로 알고서 모방, 변형, 변주하고 있는지, 우리의 장식 전통을 바로 세우고 되새기려는 의식이 있는지, 국적불명의, 아무런 연관성도 없는 것들로 건물을 처덕처덕 바르고 있지는 않은지, 앞으로의 건축이나 장식 발전을 생각하는 건설적인 아이디어를 지니고 있는지, 심각하게 다시 생각해야 하는 시점이다. ‘디자인 도시’라는 캐치프레이즈를 제대로 이해하고 제대로 이행하려는 마음이 있다면 말이다.

한국어판을 준비하는 4년여의 기간 동안, 이 19세기 저자의 열정은 단어 하나하나, 일러스트레이션 하나하나에서 고스란히 전해졌다. 길고 지치는 작업을 이어나가며 출간 포기까지 염두에 두었는데, 이렇게 한국어판으로 되살아난 책을 앞에 두고 보니 한없이 겸손해질 뿐이다. 저자의 의도와 그의 노력을 국내 독자에게 그대로 전달하고 싶은 마음에 세심하게 신경을 썼음에도, 오웬 존스의 열정에 비한다면 턱없이 부족해 보인다. 1856년 초판이 런던에서 출간된 이후, 이와 비슷한 볼륨으로 이렇게 다양하며 깊이 있게 문양과 장식을 다룬 책은 아직까지 찾아볼 수 없다. 존스가 책을 제작하던 당시에 비해 훌륭하고 편리한 기술의 진보가 이루어졌지만, 그와 같은 열정과 탐구심을 지닌 인물이 또 나와서 이 지난한 작업을 능가하는 책을 엮어낼 수 있을까? 클래식 음악이 시대 변화에 무관하게 들을수록 깊이가 더해지는 것처럼, 클래식 문양, 장식, 책 역시 그 가치는 더욱 높아질 것이며, 그 가치를 알아보는 우리 눈의 퇴보를 막는 노력 또한 뒤따라야 하겠다.