여기서 나의 논평은 소리와 문화에 대한 전통적이고 유물론적인 논점에 대해독특한 관점을 취한다. 이는 흑인음악의 형식, 특히 레게를 바라보는(듣는) 것에 달려 있다. 식민주의 지식의 유산 중 하나는 그 지식이 가하는 임상적인 시선의 대상이었던 우리가 이러한 시선을 넘어서기 힘들다는 점이다. 서구 인류학과 문화비평이 흑인 예술을 순전히 사회학적으로, 즉 어떤 응답 혹은 저항의 증거로서 바라보았던 지점이 존재한다. 레게 담론 역시 음악을 국가의 병폐(자메이카인 학자 브라이언 믹스가 말하는 “헤게모니적 소멸”)나 기초적인 수준의 문화비평(“인민의 목소리” 또는 “저항의 리듬”)을 진지하게 뛰어넘을 수 있다고 간주되지 않는 것 같다. 이러한 클리셰에서 벗어나기 위해, 레게를 아프리카계 미국인이 만든 음악적 방법론으로 진지하게 취급할 것이다. 또한 복잡하고 포착하기도 어려운 레게 그 자체의 비판적 장치를 통해 바라볼 것이다. 나는 미학적인 측면에서 가사보다는 소리에 더 집중하여 음악에 접근하고 싶다.
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리듬 앤 블루스가 어떻게 자메이카에 도달했는지에 대한 역사는 잘 알려져 있다. ‘클레멘트 도드’ 같은 이주 노동자와 라디오 방송을 통해 아프리카계 미국인의 도시 경험을 식민지 섬에 가져온 것이다. 여기서 우리는 정체성, 정치학, 신앙에 대한 일종의 흑인 담론이 독립 이전 자메이카의 청각적 세계에서 미묘하게 번역되는 것을 볼 수 있다. 이에 비해 비교적 덜 알려진 사실이 있다. 완전히 형성된 자메이카의 소리 문화가 시민권을 획득한 이후의 아프리카계 미국인 도시 세대와 마주칠 때 일어나는 재번역(반향의 반향)의 물질적 과정이다. 이 세대는 민권운동의 낙관주의가 투옥되고 추방되고 암살된 뒤에 새로운 공동체 의식을 찾는다.
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브레이크 비트는 틀림없이 힙합과 그에 수반되는 하위 문화 / 사회 운동의 가장 중요한 측면이다. 나는 자메이카의 “버저닝” 뿐만 아니라 투 데크 사운드 시스템의 턴테이블 저글링이 명백한 발전을 가져왔다고 주장하고, 또한 강조하고 싶다. (…) 브레이크의 황홀한 순간은 노래가 서사적 축적에서 벗어나 시간의 고립된 비 서사적 순간을 확장한 다음 연속성으로 되돌아가는 순간이다. 그런 점에서 브레이크는 아프리카계 미국 음악의 블루 노트, 블루스의 비브라토와 유사하다. 이는 파열의 미학화와 그 고통의 연장이며, 아름다움에 의해 고통을 초월한다.
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덥은 초창기 허크의 투 데크 턴테이블 비트 매칭과 마찬가지로 선형적인 내러티브(노래)를 급진적으로 변형시켜 독립적인 형태가 된다. 이는 은유적 층위의 상륙지 혹은 도착으로서 바로 그 개념인 “종결성”을 거부한다. 우리 모두가 알고 있듯이 이는 리믹스의 개념이 탄생한 곳이고, 경제적 필요성에 의한 산물로서 오늘날까지 녹음된 사운드의 역사에서 가장 중요한 기술적, 미적 혁신을 제공하고 심원한 형이상학적 탐구가 이뤄지는 곳이기도 하다. 이는 또한 자본주의의 매우 노골적인 형식이다. 노동을 최소화하면서 이익을 극대화한다. 프로듀서를 예술가로 만들고 완성된 상품을 다시 생산의 순환으로 도입하고, 소리에 관한 정신적이고 사회적인 경험을 더욱 더 상품화한다.
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흑인 디아스포라에 부단히 논리를 제공하는 문화간 교차적 영향과 반향을 형언하기란 어렵다. 그 속에서 의미가 원래 의도와는 완전히 무관한 소리나 상징, 사람들로부터 생겨난다는 점은 당황스러울 수 있다. (…) 누가 스카 음악이 백인
인종차별주의자들의 반-흑인 신화에 의해 그와 같은 방식으로 전유될 것이라고 생각했을까? 아니면 댄스홀의 배타적인 민족주의에 대응하는 나머지 세계가 스카, 덥, 루츠 레게를 발견하게 될 것인가? 누가 그렇게 많은 사람들이 레게라는 전통에서 보고 보아왔던 것에서 레게가 말하는 내용이 아니라 그러한 내용을 발화하는 방식이라는 것을 예측할 수 있었을까?