문자 이전, 구술성(orality)에 의존했던 인식의 전통에서 ‘안다’라는 것은 알려지는 대상과의
밀접한 감정이입적 공유와 일체화를 뜻했다. 더 서사적인 커뮤니케이션이 말(음성)을 통해 이
루어져야 했다. 반면, 지금 우리는 ‘안다’라는 것을 ‘본다’라고 표현한다. ‘보이는 것’이 ‘존재
하는 것’이고, ‘존재하는 것은 볼 수 있어야 한다’라는 문자성(literacy)에 의존한 인식이다. 알
려지는 대상으로부터 아는 주체를 분리해 냄으로써 객관성을 ‘안다는 것’의 조건으로 만든 인
식의 전통이다. 이처럼 우리의 인식 깊은 곳에는 ‘계량화할 수 있는 것’, ‘수치화할 수 있는
것’, ‘눈으로 확인할 수 있는 것’이 신뢰할 수 있는 것이고, 그런 것들만이 지식, 즉 학문의 대
상이라는 믿음이 있다. 인간은 이런 생각을 오랫동안 우리가 접하는 세계에 적용했다. 디자인
도 예외는 아니다.
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하나, 디자인은, 디자이너는 무엇인가.
둘, 몸은 어떻게 창의성을 가져오는가.
셋, ‘몸 그대로’, ‘몸 밖을 향하는’, ‘몸과 몸 사이에서의’ 디자인은 무엇인가.
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과학이 형이상학과 예술이 그어 놓은 점선을 따라가면서 그 점선을 실선으로 만들 듯, 디자인
은 형이상학과 예술이 그어 놓은 점선을 좇는다. 다만, 과학의 역할처럼 디자인이 그것을 항
상 실선으로 만드는 역할을 하는 것은 아니다. 앞서 언급했듯이 디자이너의 역할은 예술가의
그것처럼 우리가 마주하는 세계에 질문하고, 문제를 발견하고, 개입의 장치를 고안하며, 사용
자를 그들이 고안한 전략적 의미의 틈 앞에 불러 세우는 것이기 때문이다. 중요한 것은 이 틈
을 실선화 되지 않은 점선의 형태로 유지하는 일이다. 그래야만 사용자의 참여와 개입을 유도
할 수 있는 열린 형태의 커뮤니케이션을 기대할 수 있다.
하지만 디자인에 관한 깊은 인식의 오해 속에서 많은 사람들은 과학과의 관계에서는 디자인의
역할에 대해 열린 태도를 견지하면서도, 예술과의 관계에서는 지나치게 예민하게 거리 두는
태도를 보인다. 디자이너라는 직업 집단에 전문가적 정체성을 부여하며 예술로부터 스스로를
분리해 온 역사가 ‘디자이너는 예술가와 달리 점선을 반드시 실선화 해야 하는 존재’라고 확
신하도록 만든 것은 아닐까?
나는 적어도 창의성 측면에서는 디자이너가 예술가와 전혀 다르지 않고, 또 다르지 않아야 한
다고 본다. 디자이너보다 더 전략적인 예술가, 예술가보다 더 실험적인 디자이너를 보는 것이
그리 어렵지 않은 지금, 예술과 디자인을 이런 기준으로 구분하는 일은 이제 더는 의미 없다.
오히려 디자이너의 역할은 실선과 점선을 넘나들며, 결정된 모든 것에 질문하고, 기성으로부
터 의도적으로 벗어나 새로운 질서를 탐구하고 실험하는 것이어야 한다.
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몸이 디자인에 제공하는 미학적 지향점은 거대 목표를 버리고 몸을 다시 바라보는 것이다. 낭
시가 지적했듯 접고, 되접고, 펼치고, 중첩하고, 접혀 들어갔다가 다시 돌출하고, 구멍을 뚫고
새 나가거나 새어 들어오고, 팽팽히 잡아당겼다가 다시 놓고, 흥분했다가 졸도하고, 연결했다
가 끊는 몸의 일상적 움직임을 노동 안에서 미학적으로 실천하는 일이다.
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