클래식을 사람들이 잘 듣지 않는 이유가 시간이 없어서라고 보통 말한다. 일반 가요는 길어야 4 ~ 5분인데 비해 클래식은 짧게는 20 ~ 30분에서 길면 1시간이 넘어간다(긴 클래식은 2시간도 훌쩍 넘긴다). 나 또한 클래식에는 별 관심이 없었다. 내가 알고 있는 클래식은 한국인이 가장 사랑한다는 비발디의 '사계'를 비롯한 몇 곡이 다였다. 그런 내가 클래식에 입문한 것은 몇 년 전 운전 중 무심코 돌린 라디오 클래식 채널에서 글렌 굴드가 연주한 바흐의 ＜골드베르크 변주곡＞을 청취하면서 부터였다. 그동안 내가 들어왔던(자연스럽게 눈이 감기던) 클래식과는 확연히 다른 피아노곡이었고 반복적인 구성인데도 지루하지 않고 활기가 넘치는 매력적인 곡이었다. 차 안에서 느낀 그 작은 감동 이후 글렌 굴드의 ＜골드베르크 변주곡＞을 시작으로 다양한 클래식 음악을 듣기 시작한 것 같다. 라디오 채널은 클래식 채널만 고정해 들었고 회사에서도 점심 식사 후 유튜브를 통해 클래식 음악을 1악장이라도 들으려고 노력을 했다. 덕분에 클래식에 대해 조금씩 귀가 뚫리게 되어 부담감 없이 잘 들을 수 있게 되었지만 아무래도 음악만 듣는 것에는 한계가 있어 클래식 지식에 대한 목 마름 같은 것이 있었다.

 라이언 앤드리스 글 조 리 그림인 ＜클래식 아는 척하기＞는 그래서 내게 반가운 책이다. 책 한권으로 끝나는 클래식 절대지식을 표방한 책으로 클래식 역사에 대해 이야기 하며 당시 주요 음악가들에 대해서도 언급하고 있는데 한정된 분량에 클래식 역사를 다루다 보니 우리가 알고 있는 주요 음악가들이 많이 빠져 있고 특히 음악가에 대한 깊이 있는 설명에도 한계가 있어 보인다. 그리고 술술 읽히는 책도 아니다. 클래식을 처음 접하는 사람에게 아르스 노바나 무조, 바소 오스티나토 같은 용어들은 쉽게 이해하기 어렵다. 그럼에도 불구하고 클래식 역사에 지대한 영향을 미친 음악가와 음악 양식을 중점적으로 다루고 있어 생소한 음악 용어만 잘 이겨내면 모임에서 클래식을 아는 척 할 수는 있을 것 같다.

  ＜클래식 아는 척하기＞는 고대와 중세시대의 음악을 시작으로 르네상스 음악, 바로크 시대, 고전 시대, 낭만 시대, 20세기 음악 순으로 구성되어 있어서 순서대로 읽다보면 클래식 역사에 대해 전반적으로 이해하는데 도움이 된다. 

 클래식 하면 떠오르는 시기가 17세기 음악의 아버지인 "바흐"시대 부터이다. 그 이유는 평소 우리가 많이 접하는 클래식 음악들이 17세기 이후 작곡가들인 바흐, 헨델, 모차르트, 베토벤 등이 작곡한 곡들이기 때문인데, 책에서 나오는 고대부터 음악사를 따라가다보면 현재 우리가 자주 듣는 클래식 음악에 영향을 주는 시기가 훨씬 오래 전부터였다는 것을 알 수 있다. 

 고대에는 음악을 어떻게 생각했을까? 고대 그리스는 음악을 예술이 아닌 과학의 일부분으로 봤다고 한다. 특히 숫자와 수학적인 기능에 중점을 두었다고 하는데 우리가 잘 알고 있는 수학자이자 철학자인 피타고라스는 음악과 천문학이 수학의 수와 수적 비율과 연관돼 있다고 생각을 했다. 그 당시 단순한 수학적 비율을 음악에서 완전4도(4:3), 완전5도(3:2) 등과 같은 완전음정을 정의하는데 사용했는데 오늘날 여전히 완전음정 분류법을 사용한다고 한다. 1,000년 이상 지속된 고대 철학의 중심지였던 그리스가 음악의 기초 발전에 상당한 기여를 한 것은 어쩌면 당연했는지도 모르겠다.

 뭐니뭐니해도 책을 읽다보면 오늘날 클래식에 영향을 끼친 각 시대별 음악양식과 음악가들이 가장 눈길을 끈다.

  중세시대의 역사는 교회의 역사와 불가분의 관계였는데, 중세음악의 특징은 교회를 기반으로 시작과 발전을 한게 특징이다. 이 시대 중요 음악가를 꼽으라면 이탈리아 수도사였던 귀도 다레초로 수평으로 된 선들과 그 선들 사이에 일정한 공간을 둠으로써 음높이를 나타낼 수 있는 기보 시스템을 고안하여 오늘날 우리가 말하는 오선보 기보 체계의 기원을 만들었다고 한다. 한편 콜로뉴의 프랑코는 1280년경 리듬을 기보할 수 있는 "정량기보법"을 고안하는데, 오늘날 사용하는 온음표, 2분음표, 4분음표, 8분음표, 16분표와 같은 기보 시스템의 기원이라고 한다. 이 외에 귀족과 왕족의 후원 아래 140여곡을 작곡한 14세기 기욤 드 마쇼라는 작곡가는 이전에는 작곡가들이 악보에 익명으로 남기는 게 일반적이었는데 마쇼는 거의 모든 장르의 음악을 작곡하면서 자신의 악보를 만들었다고 한다.

 르네상스 시대로 넘어가면 예술가들에게 표현의 자유권을 보장하게 되면서 그동안 틀에 박혀 작곡을 하는 시기에서 작곡가들이 개성적으로 작곡을 하는 시기로 변모하게 된다. 특히 1450년경 요하네스 구텐베르크에 의해 금속 활자가 만들어지면서 인쇄술이 발전하게 되어 음악 악보 인쇄술이 많은 사람들에게 악보를 많이 접할 수 있는 기회를 제공했을 뿐만아니라 오늘날 음정 조율 시스템의 기반을 만들게 된다. 르네상스에서 기억해야 할 작곡가는 조스캥 데 프레인데, 종교개혁자로 잘 알려져 있는 마르틴 루터가 죠스캥과 그의 음악에 대해 평가한 말이 그 당시 조스캥의 권위를 잘 보여준다 하겠다. "죠스캥은 음표들의 주인이다. 음표들은 그가 원하는 대로 움직인다." 다른 작곡가들은 "그들은 음표들이 원하는 대로 움직여야 한다."라고 조언했다고 한다.

 중세시대와 르네상스 시대의 작곡가들은 내겐 생소하다. 솔직히 이름도 머리에 잘 안 들어온다. 모임에서도 이 시대 작곡가들을 모른다고 해서 클래식 문외한이라는 이야기를 듣지 않을 것이다. 왜냐하면 다음부터 나오는 작곡가들에 대해서 제대로 알면 되니깐. 그래도 이 시대 작곡가들이 현재 클래식에 많은 영향을 주었기 때문에 기억해야 할 작곡가들이기는 하다.

  후기 바로크 시대부터 우리가 잘 아는 작곡가들이 등장하게 된다. 우리에게 "사계"로 유명한 이탈리아의 비발디는 500곡 이상의 협주곡을 쓴 다작 작곡가로 알려져 있고, 음악사에서 가장 위대한 작곡가 중 하나인 요한 세바스찬 바흐도 작곡가로서 가장 다작한 인물 중 하나인데 매주 교회에서 불러야 했던 세속음악인 칸타타 중 200개가 넘는 곡이 후대인들에 의해 잘 보존되어 있다고 한다. 매주 15분에서 30분 길이의 칸타타를 바흐는 어떻게 작곡할 수 있었을까? 바흐가 작곡 시간을 단축하기 위해 썼던 방법은 기존의 것을 고치거나, 전에 바흐가 만들어놨던 여러 음악적인 재료들을 다시 활용했다고 한다. 한편 조지 프리데릭 헨델은 오라토리오(오페라에 사용되는 무대장치, 장면, 연기와 같은 요소가 없다) 발전을 큰 기여를 했다고 한다. 

 요한 세바스찬 바흐는 평생 교회 테두리 안에서 수많은 작곡을 했다면, 헨델은 영국에 거주하면서 영어 오라토리오 작곡을 통해 국제적 명성을 쌓았다고 한다. 예전에 학교 음악시간에 배운 기억이 나는데 바흐는 "음악의 아버지", 헨델은 "음악의 어머니"라고 불렀었다. 그들의 삶을 보면 별칭을 정반대로 불러야 할 것 같다.

 18세기 후반 고전음악의 시대는 작곡가들이 왕이나 귀족 등 후원자의 여흥을 위한 음악을 만드는 것 외에도 대중을 위한 재미있는 음악에 대한 수요가 크게 증가하면서 후원자와 대중 모두를 만족시키기 위해 노력을 했다고 한다. 이 시대 중요 작곡가가 모차르트와 하이든인데, 둘 다 음악사에 큰 족적을 남겼지만 두 사람의 삶은 확연히 달랐다. 모차르트는 어린 나이부터 아버지 레이폴드의 혹독한 지도 아래 유럽 곳곳으로 연주 여행을 떠났지만 원하던 취직은 하지 못했고 젊은 나이에 사망할 때까지 가족의 생계를 위해 밤낮 없이 무리하게 작곡을 했다.(유작인 레퀴엠도 끝내 완성하지 못했다.) 이에 반해 하이든은 너그러운 음악 후원자였던 에스테르하지 가에서 대부분의 음악 인생을 보냈고 연금을 받고 퇴직 후 런던으로 떠나 음악적으로 큰 성공을 거두게 된다. 특히 헨델의 ＜메시아＞에서 영감을 얻은 후 그 유명한 ＜천지창조＞를 탄생하게 된다.

 19세기 초 고전에서 낭만시대로 가는 시기에 꼭 기억해야 할 인물은 클래식 하면 딱 떠오르는 베토벤이다. 베토벤은 개인사로 볼 때 크게 3개의 시기로 분류할 수 있는 삶을 살았다고 한다. 자살도 생각했었고 청각을 잃는 등 작곡가로 시련이 왔지만 작곡의 끈을 끝까지 놓지 않았다. 특히 ＜에로이카 심포니＞와 ＜영웅 교향곡＞은 혁명적인 작품으로 다른 교향곡에 비해 현저하게 길고 매우 광활하며, 교향곡의 제목과 내용은 영웅을 찬사하고 그 영웅의 위대함을 표현하는 극적인 서사를 다루었다고 한다. 베토벤의 작곡한 곡은 거의 다 좋아하지만 개인적으로 교향곡 6번인 ＜전원 교향곡＞을 제일 좋아한다. 귓병이 심해진 베토벤이 자연이 있는 하일리겐시타트에서 산책을 하며 작곡 한 곡인데 연주를 들으면 마치 새소리와 시냇물이 흐르는 느낌이 날 정도로 서정적인 곡이다. 그래서 봄이 오면 언제나 ＜전원 교향곡＞을 자주 듣는다.

 책의 후반부는 20세기 전후기 낭만시대의 슈베르트, 슈만, 쇼팽, 리스트, 브람스, 바그너리안 등을, 20세기에 접어들어서는 구스타프 말러와 리하르트 슈트라우스, 인상주의 음악가인 드뷔스, 쇤베르크 등 주요 음악가와 그 당시 유행했던 음악 양식들에 대해 설명해 주고 있다. 특히 오페라와 이고르 스트라빈스키는 챕터 하나를 따로 두고 설명할 정도로 큰 비중을 두고 있다. 스트라빈스키의 작품들의 경우 20세기 음악사에서 기념적인 것들이라고 하는데 이미 3세대 뒤의 작곡가들에게까지도 많은 영향을 주었다고 한다. 스트라빈스키 하면 "봄의 제전"이 떠오른다. 원시주의라 불리는 새로운 양식으로 초연했는데 초연 당시 충격을 받은 관중들이 거의 폭동을 일으켰을 정도라고 한다. 유튜브에서 "봄의 제전"을 찾아보면 인디언 부족같은 여성들이 풍요제사를 지내는 듯한 모습을 하고 음악도 평소 듣던 클래식과 다른데 내가 봐도 초연 당시 관중들이 놀랐을 것 같긴하다. 그런데 이 작품이 현대음악의 시초가 되었으며, 가장 많이 연주되는 현대음악 작품들 가운데 하나라고 한다. 스트라빈스키를 한 쳅터에서 다룬 이유는 그의 음악이 모든 현대 작곡가들에게 하나의 표본이 되었고 그 영향력이 지금까지도 미칠 정도였기 때문이다. 여기에서 클래식 역사가 끝날 것 같지만 포스트모더니즘 등 그 이후 음악사에 대해서 소개를 하면서 ＜클래식 아는 척하기＞는 끝을 맺는다.

 ＜클래식 아는 척하기＞는 클래식 입문자를 위한 책이라기에는 조금 어려운 면이 없진 않다. 저자가 머리말에서 음악적 지식이 아예 없는 사람이라도 아주 쉽게 이해 할 수 있도록 아주 필수적인 상식들을 제공해준다고 했지만, 솔직히 음악 용어들과 바흐 이전 작곡가들은 클래식을 처음 접하는 초보자에게는 생소하기 때문에 한번 읽고 이해하기에는 어려움이 있다고 생각된다. 이 책은 여러 번 읽어봐야 저자의 생각대로 클래식 아는 척하는 수준에 도달할 수 있을 것 같다. 책 중간 중간 삽화가 조 리의 그림과 함께 부록으로 "클래식 용어 아는 척하기"에서 책 속 클래식 용어들을 설명해 주고 있어 이해를 돕고 있다.

 클래식 입문자의 경험으로 클래식과 친해지려면 우선 좋아하는 작곡가들의 음악을 익숙할 때까지 여러번 들어보자. 어느새 클래식이 편안해지고 자연스럽게 느끼게 될 것이다. 이때 ＜클래식 아는 척하기＞로 이론까지 마스터한다면 어느 모임에 가서도 뒤처지지 않는 클래식 애호가가 되어 있을 것이다.

리뷰어클럽 서평단 자격으로 팬덤북스에서 제공 받아 작성한 리뷰입니다.

 취미를 묻는 말에 클래식 감상이라고 말하면 고상한 척하는 것 아니냐며 너스레를 떠는 경우를 종종 목격하게 된다. 다양한 음악장르 중에서 유독 클래식에 대해서만 이러한 반응을 보이는 것일까? 클래식의 역사를 떠올려보면 대부분 왕과 귀족 계층의 후원에 힘입어 음악가들이 활동할 수 있었기에 클래식에 고급이라는 이미지가 덧붙여서 그러한 것이 아닐까라는 생각도 들지만, 근본적으로 클래식에 대한 이해 부족이 주요 원인이라 생각된다. 하지만 요즈음 왠만한 가정에서는 아이들에게 피아노와 바이올린을 비롯하여 악기 하나 정도는 배워야 한다고 생각하고 있으니, 더이상 클래식이 특정 계층이 누리는 취향과 연결짓는 것은 무의미해 보인다. 이제는 클래식에 대한 편견을 버리고, 오히려 자유롭게 즐길 수 있어야 한다. 그래서, 요즈음 클래식과 관련된 다양한 책들을 어렵지 않게 만날 수 있는데, [클래식 아는 척하기]는 클래식을 발전 과정에 따른 역사로 다루고 있다는 점에서 흥미로운 책이 아닐 수 없다.

 이 시점에서 왜 클래식을 책으로 살펴봐야 하는지에 대한 의문이 생길 수도 있다. 일반적으로 클래식을 많이 듣고 느끼는 것으로 충분하다고 생각할 수 있기 때문이다. 그러나, 아는 만큼 많이 보인다라는 만고불변의 진리는 클래식에도 유효하다. 음악회에 처음 갔을 때, 도대체 바이올린 연주자들이 활이 아닌 손가락으로 직접 현을 퉁기는 모습을 보고 도통 이해가 되지 않았는데 나중에 그것이 '피치카토(pizzicato)'라는 주법임을 알게 되었다. 즉, 바이올린은 흔히 알고 있는 것처럼 활로 현을 켜는 '아르코(Arco)' 주법 이외에도 '피치카토(pizzicato)'처럼 활을 사용하지 않는 주법도 존재하였던 것이었다. 이러한 기술적인 것 이외에도 클래식의 역사는 물론 음악가들에 대한 이해를 먼저 알고 클래식을 감상하게 된다면 그저 소리로서 귀에 머무르는 것이 아니라 그에 담긴 다양한 의미를 동시에 느낄 수 있게 된다. 그렇다면 이 책 [클래식 아는 척하기]는 우리에게 무엇을 전해주고 있는 것일까?

 먼저 클래식의 역사에 대한 흐름을 한눈으로 확인할 수 있다는 점을 들 수 있다. 단순한 것 같지만, 이는 클래식 감상에 있어서 꽤 중요한 부분이다. 보통 클래식을 감상하다보면 우선 자신의 취향에 맞는 곡 또는 음악가 위주로 시작되고, 그것을 바탕으로 점점 그 영역을 확장하기 마련이다. 이러한 상황에서 클래식의 역사를 이해한다면 자신이 좋아하는 음악가 또는 곡이 어떠한 특징을 갖고 있는지를 파악할 수 있기 때문이다. 음악가마다 자신만의 영감과 느낌을 곡에 담아내어 차별화를 보여주고 있지만, 비슷한 시기에 활동하게 되면 일정 부분 그 시대의 사조(思潮)로 공통된 부분을 동시에 보여주기도 한다. 예를 든다면 작곡가 자신의 표현과 개인의 정체성에 중점을 둔 낭만주의라든지 우아함, 구속, 단순함 및 보편적 호소를 표현하려 했던 고전주의를 떠올린다면 그에 속한 음악가의 곡을 그러한 것과 연관지어 생각해 볼 수 있기 때문이다. 흔히 베토벤을 고전주의와 낭만주의 사이의 음악가로 보는데, 이는 각 시대에 해당하는 음악의 특징과 역사를 이해해야 비로소 공감하면서 그의 음악을 그러한 관점에서 감상할 수 있게 된다.

 클래식(고전)의 원래 의미는 시대를 불문하고 누구에게나 통용되는 것으로 정의할 수 있다. 1990년대의 대중가요가 현재에 많은 공감을 이끌어낼 수 없다는 점은 클래식의 진정한 의미를 보여준다. 그러나, 위의 대목을 보면 1750년대를 기점으로 등장한 '고전주의'로 인하여 이 시기를 제외한 다른 시기에 해당하는 클래식이 고전적이지 않다라는 역설을 보여준다. 일종의 말장난처럼 여겨질 수 있지만, 이 대목에서 나타나는 것은 클래식이 시대에 따라 다양한 사조(思潮)를 형성하고 있다는 점이다. 그리고, 그러한 사조는 세분화되면서 동시에 반복되는 양상을 보여주고 있기 때문에 이에 대한 이해를 통하여 자신이 좋아하는 클래식의 특성을 파악할 수 있게 되는 것이다.

 두번째로 그간 잘 알려지지 않았던 후기 바로크 시대(1700 ~ 1750) 이전의 음악의 발달 과정을 새롭게 배울 수 있다는 점이다. 이 역시 감상으로만 클래식을 이해하려는 것에 대한 한계로 이해할 수 있다. 음악 전공자가 아닌 대부분의 사람이라면 아마 가장 과거의 음악가로 [사계]와 [화성의 영감]으로 잘 알려진 안토니오 비발디(1678~1741)를 꼽게 된다. 바흐와 헨델도 그 이후의 음악가이니 비발디 이전의 음악가를 떠올린다는 것은 보통의 사람들에게는 결코 쉬운 일이 아니다. 이 책이 고대 그리스로마 시대의 음악으로부터 시작하고 있으니, 우리는 대략 이 책을 기준으로 대략 분량의 반에 해당하는 후기 바로크 시대 이전의 음악에 대해서는 거의 알지 못한다는 점이다. 주로 즐겨듣는 음반 위주의 클래식에 대한 이해가 빚어낸 이러한 클래식 역사에 대한 이해의 단절을 바로 이 책으로 극복할 수 있다는 점은 한번쯤 이 책을 읽어봐야 할 이유라 할 수 있다.

 세번째는 바로 잘 알려지지 않은 클래식의 형식에 대한 발전 과정을 상세히 설명하고 있다는 점이다. 사실 이 책에서도 그 시기에 해당하는 음악가에 대한 언급은 그리 자주 등장하지 않는다. 죠스캥 데 프레(1450~1521)와 같이 르네상스 시대의 플랑드르 출신이라는 잘 알려지지 않은 음악가에 대한 짧막한 설명도 등장하지만, 그들이 작곡한 곡보다는 그들을 통한 클래식의 발전 과정을 다루고 있다. 기보와 악보의 발달, 성악과 기악의 관계, 종교음악과 세속음악에 대한 설명은 우리가 익숙해하는 클래식이 어떠한 과정으로 형성되었는지를 잘 보여준다. 음악의 기본 구성 요소를 살펴보면 이후 클래식의 사조는 앞서 언급한 것처럼 창조와 재해석의 반복 과정을 보여준다. 시대에 따라 그 특징이 구분되지만, 그러한 특징 마저도 이전의 음악의 영향으로부터 제한적일 수밖에 없다. 가령 로마의 예배의식에서 비롯된 '상투스'는 신의 거룩함을 찬미하는 종교적인 색채가 강한데, 훌쩍 세월을 뛰어넘어 모차르트의 [레퀴엠(Requiem)]에 포함되어 있는 것은 그러한 것을 잘 보여주고 있다.

 마지막으로 클래식이 역사와 밀접한 관련이 있음을 보여주면서 클래식이 역사에 대한 또 하나의 관점이 될 수 있음도 주목할 부분이라 생각된다. 역사에서 중세 시대가 종교에 많은 영향을 받아 굵직한 사건들이 일어났는데, 클래식 역시 종교음악이 발달 과정에서 중요한 위치를 점하고 있는 부분이라든지 르네상스, 절대주의, 종교개혁, 인쇄혁명에 따른 음악의 변화는 그러한 의미를 뒷받침하고 있다. 절대주의의 상징인 루이 14세가 음악을 통한 공연으로 자신의 이미지인 '태양왕'을 이끌어낸 점이라든지 르네상스의 막이 오르면서 작곡가들이 자신의 음악에서 명료함과 구조적 측면을 참고하면서 음역대를 확장시키는 기술적인 변화를 이끌어낸 점은 그러한 대표적인 예라 할 수 있다. 또한 금속 활자가 책에 대한 대량 보급을 가능케 함으로써 대규모의 지식의 공유를 통하여 역사의 새로운 흐름을 만들어냈던 것처럼, 음악 역시 많은 영향을 받았음을 우리는 아래와 같이 이해할 수 있게 된다.

 음악의 고전이라 일컫는 클래식은 현재에도 여전히 새롭게 만들어지고 있다. 이고르 스트라빈스키라든지 구스타프 말러는 확실히 과거 클래식과는 다른 면을 지향하면서 새로운 형태의 고전으로 자리매김을 하고 있다. 보통 고전이 과거에 만들어진 것으로 알려져 있지만, 클래식은 과거는 물론 현재에까지 지속적으로 그 명맥을 유지하면서 동시에 창조되고 있다. 그래서, 클래식을 역사와 결합하여 설명한 [클래식 아는 척하기]는 그 진가를 발휘하고 있다는 생각이 든다. 다만 이 책을 제대로 이해한다면 '아는 척하기'를 넘어설 수 있다는 점에서 솔직히 그 내용이 쉽다고는 할 수 없다. 한 권의 책으로 클래식의 역사를 비롯하여 다양한 부분을 다루고 있으니 용어부터 익숙하지 않다. 비록 책의 말미에 용어에 대한 설명들을 수록하고 있지만, 결코 아는 척하기를 위한 책은 아님에 분명하다. 책과 함께 그에 해당하는 음악가와 곡들을 들어보면서 그 의미를 떠올려야 비로소 이 책의 진정한 가치를 느껴볼 수 있지 않을까 생각된다. 그래야만 클래식에 대한 '아는 척하기'가 아닌 '앎'을 깨달을 수 있지 않을까?

리뷰어클럽 서평단 자격으로 작성한 리뷰입니다.